阿赫德的膝盖

看不懂，表达的有点乱，镜头语言过多

David Tao有首好歌叫《心乱飞》，形容的就是这部电影的视听语言。

不只是私人叙事，已经是不按章法的私人情绪宣泄，无论是来自创作者对于propoganda and censorship的“我控诉”，还是与手持运镜和视角变化中点缀的流行乐，Lapid让观众目睹了自己从崩溃到和解的过程，而这种过程是没有逻辑，甚至可以说是有点刻意的荒谬的。我不能说我会享受作为spectator和影像建立连接的过程，但越是回想，越能感受到Lapid对于民族主义、政府集权的反思，而个人的迷失与感动是那么的微不足道，却又是难能可贵的。另一方面，很明显有些摄影是想放大Avshalom Pollak的性魅力，而这underlying homoeroticism也确实恰如其分地嵌入其中了。

杀疯了的拉皮德，站在巨人（视听手法）的肩膀上向巨人（道德立场）发起挑衅。以焦虑作为戏里戏外的创作源头，再演化成愤怒与哀叹，摄影机在动静之间来回切换，像戴着镣铐张开翅膀。沙漠中昼日与夜缓缓交接，情绪持续下坠（镜头与人物的距离），思绪时刻飞扬（毫无预兆的转场）。用剥削的文本反抗剥削，绝望的眼泪淌出之前露出凶狠的獠牙。为什么不惜以冒犯之姿逼我们从冰冷的符号中读出情感？因为那些我们习以为常的情感，在文明的庇护下，实在是太轻薄了。

【8.0/10】待重看

#TIFF21#好久没看这么后现代的影像了

3.5

懂得章法的破坏章法，新的东西如果没有任何实在意义但足够让你不断期待下一秒会发生什么那也足够有趣了。

我看不了这种过于追赶时髦的导演拍的电影

4.1

设定好的癫狂倾泻，结尾让我生理性厌恶。

能看出导演野心很大，但呈现出的结果却略显差强人意。思想和愤怒单靠台词输出还是太单薄了些。

前半部分很不错，后面大段的控诉有些突兀

《同义词》扫街段落对摄影机的解放还是令我惊喜的，但《膝盖》里的摄影机的癫狂也太没有道理可讲了，摇摆和旋转纯粹变成一种物理上的宣泄，包裹着电影内外导演那惹人生厌的聒噪和浮躁。拉杜·裘德在《黄片》里的实验和控诉是有明确指向的，但拉皮德沿着擒熊之路的这种创作方式剥削意味未免太浓。你能伤害到谁呢，除了爱你的人？#FNC50#

题材很感兴趣，电影不知道拍的是什么

好吧，还是更喜欢《同义词》。

摄影机陷入癫狂，疯狂刷存在感，单一场景内的剪辑被放弃，必须高速移动才能实现的视线的还原，一种化简为繁的视听炫技。然而最后还是直白地讲述，显得前面的努力都像是个空壳。

你看他时而激进高昂，时而低吟浅唱，时而似波涛汹涌，时而又柔情似水。满满的政治诉求，愤慨而凶猛。几乎放弃了正反打，频繁甩镜头。带着某种浓烈的自我沉迷。才气确实有，但是这次精于设计，匠气太足。

7/10。拉皮德在得到金熊后仍在突破自己，“这里有一百万人，不是一个国家是一百万个国家”“一个厌恶艺术的艺术部长在一个厌恶人类所有美的政府里”导演的批判比《同义词》更加锋利。这部电影对我来说一半是海水一半是火焰，有喜欢到鼓掌的部分也有长时间的贤者时间。男女主过分亲密的距离、频繁的甩镜头，视听语言彻底放飞，是自由的也是设计的。Y拍日落前的云彩给母亲，地理总会赢，土地与母亲的呼应才是《平行母亲》啊！！他化身黑塞的荒原狼，奔向荒芜的原野，或许可以再见语言。

7.0。拉皮德攝影機實驗的最新成果便是，攝影機在完全服務於他自我投射的男主角的思緒後徹底「發瘋」了。藉由該成果，拉皮德徹底將重心從抨擊電影審查制度的政治檄文轉向自我剖白式的拍攝手法。大量鏡頭從傳統上可能暴露劇組位置的角度肆意拍攝，無限強化導演近乎孤身一人的坦誠態度以及長期面對高壓環境的不耐煩。此種先鋒探索遠比伊納里圖在《詩人》的開頭戲仿《八部半》有意義的多。