闪光少女

在说正题之前，先听一段莫扎特歌剧《魔笛》（Die Zauberflöte, 1791）夜后的经典唱段“我心中燃烧着复仇的火焰”（"Der Hölle Rache kocht in meinem Herzen"）。

据说夜后被认为是西洋歌剧花腔女高音技巧第二难的角色——第一难的花腔女高音角色是多尼采蒂（Gaetano Donizetti）歌剧《拉美摩尔的露琪亚》（Lucia di Lammermoor, 1835）里的露琪亚——。

夜后这个角色的难度来源有二：快速的琶音，最高音为high F，音高太高了，非常难唱准；除此之外，《魔笛》是一部用德语演唱的歌剧，德语的发音方法与美声的发声方法相互不太适合（相对来说意大利语更适合美声的发声方法），唱惯了意大利语的歌剧演员在演出德语歌剧的时候都或多或少会感到嗓子不舒服。

Diana Damrau - 复仇的火焰在我心中燃烧 《魔笛》夜后咏叹调 中文字幕版 《闪光少女》开场第一个在琴房里练长笛的女孩吹的是长笛“反串版”的“我心中燃烧着复仇的火焰”。

影片后面还有一段“反串”，西乐和民乐斗琴的时候，有个弹竖琴的弹的是德彪西的《阿拉伯风格曲第一首》（Première Arabesque, 1888）。

有观众看完本片不太理解故事的核心矛盾：学西乐的有那么看不起学民乐的么？

答案是肯定的。

作为一个从小被父母逼着学西乐的二把刀，我周围一起学琴的孩子没有一个不“鄙视”民乐的。

我自己也“鄙视”学民乐的。

先来讲个故事：中国著名作曲家吴祖强在文革期间，会同另外两位作曲家王燕樵、刘德海合写了琵琶协奏曲《草原小姐妹》。

所谓琵琶协奏曲指的是琵琶独奏，西洋管弦乐队伴奏。

曲子写好了，吴祖强找了琵琶演奏家和（可能是）中央交响乐团一起排练，第一次合练之后，初试民乐与西乐搭配的吴祖强心里没底，找乐团的人问感想，得到的答复是：听着挺好听的，就是感觉有一股碎木头音。

“碎木头音”——这就是当年搞西乐的专业乐团对琵琶独奏声音的评价。

但是这里面有两个概念要搞清：什么是“西乐”、什么是“民乐”？

《闪光少女》讲的西乐民乐之争，并不是“外国的音乐”“中国的音乐”这么概括的概念，而是在欧洲兴起、发展了500年的标准化乐队音乐，与在中国的田间地头兴起、在中国的音乐手艺人群体间流传了上千年、极大程度保留原生态属性的民族乐器音乐之争。

海顿西洋音乐界普遍认为奥地利作曲家海顿（Franz Joseph Haydn, 1732-1809）为“交响乐之父”。

在海顿之前，西洋音乐处在巴洛克时期，这个时期是西洋音乐标准化的萌芽阶段，当时的音乐家已经开始有意识地把欧洲各国不同种类的乐器进行归类、改良，并搭配成适合放在一起演奏的一组乐器，比如当时的小提琴已经从12世纪的两根琴弦（当时的名字叫拜占庭里拉Byzantine lyra，从中亚经拜占庭帝国传到欧洲的）、到16世纪初的三根弦，演变为现在普遍的四根弦。

拜占庭里拉然而当时的乐队音乐听上去仍然比较原始，特别是乐器搭配比较自由，比如巴洛克时期代表人物巴赫的《勃兰登堡协奏曲》（Brandenburgische Konzerte, 1721），一共有六首，每首的配器数量和种类五花八门：第一号：全部弦乐器另加一把高音小提琴，2支圆号，3支双簧管，1支大管，通奏低音。

第二号：直笛，双簧管，小提琴，1支高音小号，弦乐器，通奏低音。

第三号：3把小提琴，3把中提琴，3把大提琴，通奏低音（1把低音提琴和1架羽管键琴）。

第四号：1把小提琴，2支直笛，弦乐队，通奏低音。

第五号：小提琴，长笛，羽管键琴，弦乐器，通奏低音。

第六号：2把中提琴，2把低音维奥尔琴，1把大提琴，通奏低音（1把低音提琴和1架羽管键琴）。

上面说的很多乐器可能大家都没听说过。

高音小号在巴赫去世之后就从主流西洋音乐界消失了。

巴洛克时期之后是西洋音乐的维也纳古典时期，海顿、莫扎特、贝多芬、舒伯特这几个经常在维也纳活动的人物是这一时期的代表。

从海顿开始，交响音乐的演出模式开始被标准化，巴洛克时期常用的乐器在海顿时期基本被改良到了定型的阶段，适应了合奏的音响需要。

海顿创作的交响音乐基本上由弦乐（第一、第二小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴）、木管（长、短笛，单、双簧管，大管）、铜管（圆号、小号）、打击乐组成，这是西洋管弦乐队标准化的开始，莫扎特的交响乐也基本沿袭了这个配置。

贝多芬将古典时期交响乐的模式发展到极致，在贝多芬的交响乐里出现了长号。

在随后的交响乐作品中，大号加入管弦乐队大家庭，作为铜管的通奏低音成为了标准化乐队的一部分。

西洋管弦乐队标准化配置古典时期之后，欧洲音乐界进入了浪漫时期，19世纪是浪漫时期最兴盛的时期，该时期涌现出一大批著名古典音乐作曲家，《闪光少女》中徐璐暗恋的师兄在琴房弹奏钢琴曲的作者肖邦、《阿拉伯风格曲》的作者德彪西、“野蜂飞舞”的作者尼古拉·里姆斯基-科萨科夫（Nikolai Andreyevich Rimsky-Korsakov, 1844-1908，“野蜂飞舞”选自他的歌剧《撒旦王的故事》）都属于这个时期。

这个时期的管弦乐队乐器已经完全定型，有所改动的是演奏者数量，和少数为了适应个别曲风需要而临时加进来的非标准化乐器，比如小约翰·施特劳斯《维也纳森林的故事》里临时加入作为独奏的齐特琴（Zither）。

齐特琴进入20世纪之后，古典音乐的发展开始走向多元化，电子合成器的运用越来越多，古典音乐和流行音乐的界限越来越模糊。

然而作为古典音乐标准化的产物——西洋管弦乐队的基本配置已经固定下来了。

也就是说，古典音乐的500年是音乐、乐器标准化的过程。

在这个过程中，能被这个标准化系统吸纳的就成为了交响乐队的一部分，不能被吸纳的就成为了历史（比如巴赫时期的高音小号），或者只能进行独奏（比如《维也纳森林的故事》里的齐特琴）。

民乐的乐器在几千年来也经历了不断改良、不断适应民族管弦乐队合奏的过程，然而囿于各种原因，民族管弦乐队的标准化程度和西洋管弦乐队并不处在同一量级，根本不是同一级别的概念，所以其实二者没什么好争的。

你觉得工业革命大机器流水线和小作坊驴拉石磨耕牛犁地有可能争得起来吗？

我这么说倒是没想打压民乐，流水线有流水线的优势，小作坊能做出流水线做不出的特色产品；只是如果民乐真的要争，适合跟它正面争夺的也应该是齐特琴这种奥地利民族乐器，而不是一套高度标准化的乐队。

尽管《闪光少女》把学西乐的孩子黑到夸张的程度，大多数学西乐的都不会这么过分，然而我觉得鲍鲸鲸把学西乐的鄙视学民乐的精髓抓得很准。

片中钢琴帅师兄说的“扬琴小打小闹不是正经乐器”，这些话我和小伙伴练琴的时候都说，而且是变着花样地说。

都是学音乐的，为什么学西乐的在学民乐的面前这么装逼？

我觉得原因有三：大部分民乐乐器音量太小，回声效果差。

西洋乐器的一大特点就是回声效果很好，弦乐器的音箱、管乐器的管道都能起到特别好的回声效果。

西洋音乐都很在意回声，唱歌剧的不需要话筒就可以让整个音乐厅的人听清楚。

民乐乐器回声最大的就是扬琴，就这点音量根本比不上西洋乐器。

可能有人想拿唢呐和笙反驳我。

我觉得唢呐那个叫穿透力强，不叫音量大。

笙太吵了，听着有点烦。

中国民族乐器没有低音声部。

中国的民族管弦乐团是需要大提琴、低音提琴作为通奏低音的，否则声音听上去非常飘，不厚实。

因为大提琴、低音提琴回声效果比民乐器更好，他们和民乐队合奏的时候都要故意拉得弱一点。

最重要的一点：中国民族音乐没有和声。

巴赫作为西洋音乐的“音乐之父”，最拿手的就是多声部的复调音乐，西洋音乐的起源就是多声部音乐，以单一旋律为主的主调音乐是后来才发展起来的。

中国的绝大多数民族音乐都没有和声，只有单一旋律，所以听上去不如西洋音乐厚实、有层次感。

前几年侗族大歌被发现的时候，中国民族音乐界一片叫好，认为自己甩掉了西方人给我们扣的“中国民族音乐没有和声”的帽子。

然而我不以为然，我觉得这种说法只是顺应了“中国民族音乐不比欧洲的差”“侗族是中国多民族大家庭的一员”的双重政治正确，非常牵强，实质重于形式地说，中国大部分民族音乐没有和声。

可能上面这些看上去还是太像一个学西乐的在鄙视民乐。

我个人觉得陈钢、何占豪把民族音乐融入西洋音乐体裁的《梁祝》，殷承宗等人把黄河改编为钢琴协奏曲，吴祖强创作琵琶协奏曲，丁善德等人的二泉映月，良宵，鲍元恺的炎黄风情，《闪光少女》中提到的李焕之的《春节序曲》（结果片子里错误地说成了《节日序曲》，《节日序曲》是施万春创作的，也是西洋管弦音乐体裁的中国音乐作品），都是非常好的中西搭配的尝试。

所谓西乐和民乐本来就没什么可争的，不如像上面几个前辈那样取长补短，既丰富了西洋标准化音乐的曲库，也借此宣传了我们的民族音乐，一举两得。

P.S.片中学校西洋乐队演奏莫扎特的钢琴协奏曲的时候配了一个指挥。

实际上那个年代的协奏曲演出是没有指挥的，独奏家起到了指挥的作用，乐队成员都根据独奏家的动作掌握演奏进度。

作为一个青春已像急速飞驰的小火车一样绝尘而去的中年女子，我与青春时期的共通点大概只剩下——对青春片的热爱这一项。

彼时爱看小年轻谈谈恋爱的片子是情理之中，现今看到“青春”、“少女”、“梦想”一类主题词仍忍不住要围观而后快，期待能从观影体验中得来“青春真好”的酣然一梦，个中心理大概真的是应了海明威那句“人生最大的遗憾，是一个人无法同时拥有青春和对青春的感受。

”然而在国内当下青春片的影视语境中，顶着如此高龄声称自己是青春片爱好者大概会被认为是脑残，事实上我在满怀期待地去影院支持了几部青春片后也对自己有了这样的错觉。

因此在同伴问我想看什么电影时我是犹豫的，跨进电影院前我是忐忑的，以至于出现了“去看闪光少女，我本人啊！

”这样终结性的对话。

然而这个片子真的挽救了我岌岌可危的声誉，我和我的高龄、工科、非文艺青年、男、同伴看的一本满足！

本来进电影院前发生了一点中年人生中不愉快的小插曲导致手被轻微烫伤，进电影院的时候中年生活的戾气已经是压都压不住地往外窜，然而看了片子整个人都明亮了起来，可以说是被闪光少女照亮了人生也不为过。

是的，我要赞美闪光少女，因为这是一部真的青春片！

首先演员是真的青春，看到一群满脸真的胶原蛋白的年轻人犯傻犯二、卖萌搞笑，即便是心肠再硬的哀乐中年也要忍不住嘴角有一丝笑意呢，要比看和自己年龄差不多却还能演高中生的假胶原蛋白们心气儿顺多了啊喂！

尤其是女主角选角非常成功！

我很高兴这是一部校园喜剧，女主陈惊的性格是个“神经”（不要再跟我提匆匆啊、逝去那些感伤青春的片子，我肾虚，已不能再受更多伤害），简单来说，女主角是个真正的萌妹子！

请看荷尔蒙的正确使用方法!然而我们能肤浅到只看脸吗？！

（可能......能吧......）男女主角元气少女+老实跟班的设置也是非常有群众基础，哪个班里还没有这样的组合呢？

（当然，明朗少女是否选择忠犬跟班，就是另一个悲伤的故事了）更为难得的是，主演们的表演并未过分夸张，身为生龙活虎的年轻人，却并未走上时下流行的某些国产喜剧片中的浮夸表情演技大法或小鲜肉面具演技大法，连常见设置的男丑的“贱”都没有贱到让人讨厌，且男女主演的表演都算得上是生动自然，想来导演也做了一些把控。

第二是我终于看到了网络梗们在这里愉快会面，没有彼此尬聊。

国产喜剧片们你们在哪里？！

麻烦过来看一下好吗？！

合适的情境+合适的人物，网络梗们终于不用面临在春晚里的境遇，像那打狗的包子一样抖出去回不来。

我们也不用再度体验自家不上台面的穷亲戚被冷不丁地拉出来游街示众的尴尬，双手合十。

第三，也是最关键的，我终于看到了一个青春的内核。

皮相好是外在，骨相好才能撑得起皮相。

这部片的骨相就其承载的意义而言我认为是合格的，学习扬琴的民乐少女陈惊想要在仰慕的学长面前证明自己，卯足了劲找来学校几个学习民乐的二次元少女组成乐团，一心要扬眉吐气一下，却一不小心掀起了校内民乐和西洋乐两个积怨已久阵营的PK，同时陈惊也得以重新审视自己和学习了多年的扬琴之间的关系。

我说这个内核很青春，一是它很好地展现了青春的热血，不管不顾的躁动，那种“我有自己想要坚持的东西，不管别人怎么说”的原生态的力量，陈惊本是一个一股子冲劲，“不考虑那么多”的粗线条少女，被弹钢琴的学长风姿迷倒就去主动追求，被嘲讽“扬琴是什么”后急火攻心决定要证明给学长看看，她没有上来就肩负“振兴民乐”的崇高使命，甚至学习扬琴也纯属意外，被父母逼着就迷迷糊糊地学了这么多年，平日排练也兴致缺缺丧到不行，只有在排练室涮着火锅唱着歌以及流着口水艳羡对面高大上的西洋乐学生时表现出了蓬勃的生命力，有没有很像现实中的你我？

即便是痛定思痛费尽苦心组了乐团，被学长残忍拒绝后还是轻易地就准备放弃乐团，在遭到了乐团小伙伴的灵魂质问，面临爱情友情两溃败，才认真审视扬琴在自己心中的分量，那个不被自己重视，甚至可以轻易舍弃的东西，其实不仅仅是扬琴，也是自己的骄傲。

小伙伴们帮助自己获得了心灵的成长，这才有在校内民乐班遭遇危机的时候的挺身而出，最终发动起更多学生组建了学校的民乐团，也赢得了西洋乐对手的尊重。

片中难能可贵之处在于，那个我们热爱的，可能恰恰是不被主流认可的，不管是民乐还是二次元、古风，片中展现了家长们的态度、甚至是校方的态度，既然这样，那我们就要证明自己啊，要坚持啊，不要被人说中、看扁了啊，这不就是青春吗？！

青春不就是我去他的实用主义利益至上，我管他的付出多少结果如何，我们就上啊！

再奇葩也有伙伴，再弱小也会发光啊！

感谢这部片，让我一个中年人再次感受到，年轻真好！

做一个年轻人真好！

想要去学着一直做个年轻人的这种心情，真好。

握拳比心。

看到有人诟病集体主义，我觉得如果是说因为几个人的坚持与努力带动了更多的小伙伴支持是一种集体主义，那我们当下真的太缺这种集体主义了。

萤火虫虽然微弱，但是很多的萤火虫仍然能够带来点点星光。

好的东西为什么怕多呢？

或者还是只有少数派的旗帜才能成为理想主义的盾牌？

再说套路问题，我认为突破套路很高级，但是在套路中的表达也很重要。

不可否认片中的一些套路问题，比如男女主角的感情线设置，男主角的小变身，但这些套路的表达并没那么难以接受，男女主角的buddy buddy互动很可爱，甚至有些细节有亮点，比如公交车上小男生的小动作，这口狗粮并不难咽。

而男主角的小变身也一定程度上是为了乐团，不是为了求偶，谁让千指大人嫌弃他太丧呢！

而且变身并未过度渲染，当做一个愉快的彩蛋来看也未尝不可，如果男主变身大头症道明寺，那就另当别论了…….还有人提到二次元表达不当问题，我不敢说自己懂二次元，也不敢说自己懂民乐因此不做评判，但鉴于片中视角是不懂二次元的人看过去的视角，如求准确全面也就不在情理之中了。

再者个人并不喜欢“因为我懂***，所以不是***就是不对的”这种批判模式，我们总是在忙着给自己划分族群，给事物划分界限、树立标尺，而片中要表达的态度却恰恰是不同人之间的开放和融合，我更欣赏这种态度，身边完全不懂二次元的工科男看了表示，以前认为二次元就是非主流，现在对二次元有点兴趣了。

我想如果是家长看了这部片，下次在腹诽自己完全不懂的孩子的爱好之时，能稍有一丝犹豫就好了吧。

要说我觉得尴尬的一句台词就是，陈惊在表白失败后对学长说：以后你回忆起你的十七岁，一定比我后悔！

这句台词可不像出自是神经少女之口，一定程度上消解了青春的“正在发生”的鲜活可贵，差点一口血让我回到我们中老年人视角，有的话不需要说出来啊。

总的来说，这都不是事儿，请用更多真正的青春片砸晕我、看吐我，让我举着锅盖逃回我的中年生活，好好面对接下来的人生，谢谢。

先说是不是，再说为什么。

即首先：学西洋乐器的同学是不是看不起学民乐的同学从而导致了互相敌对。

对这个问题我想答案是肯定的，即使学钢琴小提琴的同学远远不及片中人物那般飞扬跋扈，对民乐同学的蔑视至少在小范围人群中是存在的。

即使作为更大群体的音乐欣赏者，想起西洋乐脑中的图景都是金色大厅整齐有序的合奏，而想起民乐都是凉凉秋风中二胡那如泣如诉的声音，很可能前边还放了个破碗。

而实际上，这两种脑海景象的差异就提示了接下来的为什么：管弦乐组同学看不起民乐组的核心在于民乐直到今天，都是缺乏“工业体系”的。

工业体系是什么？

这就是西洋管弦乐的工业体系：

欧洲古典乐之所以到今天长盛不衰，在于通过巴赫、海顿等人其演奏形成了一套固定范式可复制的演出阵容。

“模式统一”、“可以复制"，这就是工业体系很重要的两点，也是给了西洋乐同学无穷信心的规整统一形象的来源。

海顿之所以成为交响乐之父，是因为西方管弦乐的这套体系自海顿起近于成熟。

把基本模式确定下来以后，摇滚祖师爷贝多芬闪亮登场，开启了维也纳古典乐派的辉煌时代。

往后古典天才莫扎特，浪漫派旋律大师柴可夫斯基，古典浪漫混合的勃拉姆斯，别出心裁的德彪西，直到今天，西方管弦音乐体系的基本配置都是上面那张图，不论时期和乐派。

当然，并不是说所有演奏都是一成不变的，针对有些作曲家的特别乐曲会加入特色乐器或增加某个声部的乐器数量，但基本构架是定型的。

这就构成了西洋乐器同学的信心，以及我们脑海中想起管弦乐组时的辉煌情景。

而民族乐虽自豪有着千年悠远历史，却至今未形成如此统一的演出形式，甚至在合奏乐器配置上都没有统一的说法。

这就造成了在西洋玩家心中，民乐小打小闹的也算是乐器？

也造成了大街小巷不见小提琴，却怜见瑟瑟秋风中古稀老人一曲惆怅《二泉映月》。

究其原因，就是民族音乐体系里，没有固定的合奏模式。

因此民乐艺人走上街头，自开门户；因此钢琴同学觉得民乐就是在小打小闹；而这种情况给民乐作曲也增加了困难，曲谱的匮乏反哺了民乐的日渐式微。

为什么民乐组难以形成统一的合奏模式呢？

其一在于民乐里没有通奏低音，即对应于大提琴(cello)、低音提琴(bass)的乐器。

浑厚的低音声部为合奏提供了坚实的基础与深刻的意蕴，而民族管弦乐组没有这个条件，民乐合奏时往往需要大提琴、低音提琴作为通奏低音。

也许低音在音乐演出里很少成为夺人眼球的“弄潮儿”那类，但低音相当于地基，整个和弦都是搭在作为低音的根音之上的，没有低音，乐队会垮，听觉感受就是音乐飘，不厚实，“没底”。

其二也是西方音乐与民乐很重要的分野：民乐没有和声。

巴赫作为西方近代音乐之父，其一在于整合了欧洲各国种类繁多的乐器，开创了管弦乐团标准化编制的雏形，其意义在上文有讲到；其二就在于娴熟使用了复调写作，极大增强了合奏的音乐表现力。

没有和声的民乐，乐器之间没有各声部的“合作”以共同实现某一音响效果，合奏也就失去了色彩。

由此可以看出，实际上就整体架势而言，民乐是没有竞争力的。

民乐的优势，在于其单个乐器极强的表现力与细腻的意境。

这两点可以就片中高潮情节“斗琴”来分析。

我觉得出于剧情需要，斗琴这一段西洋管弦乐组是放了水的。

只论输赢的话，西方的竞争力不在钢琴，在于那个一脸死相的妹子领衔的弦乐组。

也就是我上文说的，西方音乐体系的优势在于能构造丰富和声表现的规整弦乐组，而我们来看看片中他们是怎么做的：首先古筝女甩出了广陵散：

西洋组以德彪西相对：（阿拉伯风格曲第一首）

这一段算是分庭抗礼。

随后西方弦乐组上台，竟然来了一段野蜂飞舞：

我这个竟然是说：要想赢过民乐组，上野蜂飞舞意义是不大的。

野蜂飞舞无非是一个技巧的问题，虽然是基于西方乐器写的曲，对民乐是一个挑战，但其旋律重于和声，只要民乐玩家有能力，野蜂飞舞不是弄不出来的。

而实际上我们也看到，民乐人接住了：

最后西乐组这边派出了钢琴：

这是一个很鸡肋的战术。

钢琴虽贵为乐器之王，但演奏一段野蜂飞舞，在民乐面前很难说有竞争力。

钢琴的独特之处在于能同时构建和弦和旋律，民乐器里没有一件能做到这点，野蜂飞舞这一段发挥不出钢琴的这种优势。

就个体表现而言，多数西方乐器都难以与中国传统乐器匹敌，提琴干不过二胡，打击乐擂不过大唐鼓，更何况钢琴与扬琴是同宗的......所以民乐团搬出了扬琴：

接住野蜂飞舞的民乐团，最后上了唢呐：

唢呐是没得打的，百鸟朝凤一出，西方弦乐团完全接不上了。

他们想要赢的话，把野蜂飞舞换成随便一段巴赫的复调或贝多芬的交响，民乐是很难受的。

但由于本片宣传民乐的价值导向，他们并没有这么做，在唢呐高亢的鸣啭中不知所措地结束了。

其实可以想见，西方管弦乐长于和声演奏，胜在气势和共鸣；中国民乐团精于个体表现，能构造出奇丰富的旋律甚至模拟马嘶鸟鸣，其合作而互相成就的空间巨大，也远远好过对抗相争。

我们也经常能看到管弦乐与民乐合作演绎出非凡的音乐，民乐与西洋乐的矛盾，更像是也应该是马克思所表述的对立统一。

最后我想以类似《一代宗师》一段台词结束这篇文章：其实音乐之大，又何止中西。

无容相争，等于固步自封。

在你眼中，这是一段斗争，在我眼中，这是一个世界。

真爱音乐的话，中西何不是大同呢。

为了打发时间和躲避正午的烈日才去看了这部电影，意外的好看。

马上就发了个朋友圈说：“这才算是真正的青春片。

”然而回来在豆瓣上看了一圈评论，觉得有点奇怪，很多声称很懂二次元的人儿说电影尴尬。

有的说谁平时把二次元穿身上的，二次元不等于神经病。

有的说二次元跟民乐有什么关系，跟古风又有什么关系。

又说西洋乐与民乐的矛盾太生硬了。

综合一下就是编剧和导演既不懂二次元又不懂音乐。

对此，我稍感到无语。

本想好好写一篇评论。

但现在我只想说说我所知所感。

第一，电影的夸张手法。

如果经常有看日本青春片的人，对此片的许多镜头手法会有熟悉感。

可以配合《下妻物语》，《我只是未尽全力》，《听说桐岛要退部》这类的电影来看看。

因此，电影中那个一开始堪称恐怖的502宿舍，在我看来毫无违和感。

我也没有觉得她们是神经病。

第二，cosplay和日常二次元衣着。

我家住在一所大学附近，每次走到那边吃饭，经常会看到穿着很二次元的少女。

跟电影里两位萝莉穿得一模一样。

一开始，我以为是学校里要搞什么动漫主题节目。

但时间久了才发现那不过是她们的日常穿着。

她们身边的同学穿的是日常便服，但一起有讲有笑的，可见大家都接受了。

有些评论人自称是二次元爱好者，又看不起这些cosplay的二次元，特别是觉得平日穿这样的是神经病。

我觉得这是少数派里的多数派在鄙视更少比例的少数派。

电影中萝莉的朋友就说了一句：“你怎么还穿成这样啊，你以为你还是小孩？

” 这正是一般人，或者说是多数派的看法。

但是，少数派不等于神经病。

我觉得每个人都可以坚持自己的喜好，只要那是无害的。

每个人对二次元有不同的理解和认识。

或许还有不同种类和派别。

没有任何一个人物能代表二次元。

你说洛天依能全然代表二次元吗？

显然不能。

但能说洛天依不是二次元吗？

当然不能。

所以电影中的二次元也只是导演选取的冰山一角而已。

毕竟这部电影并非关于二次元的普及片或纪录片。

只是电影中的角色是二次元，她们身上承载的意义并非二次元，而是“少数派”。

似乎很多人的着眼点本身就错了。

第三、民乐与西洋乐看到有评论说，现在的年轻人对民乐其实没多大偏见。

其实我很想问问这个说法是否有例证支撑。

我所见的恰恰，现在的年轻一代对民乐有很大的偏见。

有一个朋友当了十几年的音乐老师，她跟我说过几件事。

第一现在孩子课外学西乐比民乐多得多。

这个随便去各类培训机构可以看到。

即使学民乐也大量集中在古筝。

第二孩子对民乐的认识不如西乐。

经常是古筝和古琴分不清。

有很多乐器根本听都没听说过。

电影中的扬琴的确就是其中一种大部分孩子不知道的乐器。

第三对民乐的鄙视是真实发生在艺术生当中的。

即使同样是学钢琴的孩子，看不起中国作品的也比比皆是。

民乐团数量少，毕业难找到出路这个是事实。

中国的艺术教育本来就是比较功利。

功利目的下教育出来的孩子有这势利眼简直是太自然而然了。

而如果问：至于为这打起来吗？

答：艺术夸张手法。

任何音乐电影中的斗琴尬舞其实都很夸张，人人都气血膨胀像有世仇一样。

你去看看是不是？

第四、古风我认识几个小朋友，今年初二。

二次元少女，爱动漫，喜欢古风，学习民乐。

因此看完此片我马上就推荐她们去看了。

喜欢古风的人很容易会喜欢民乐，这也是很自然而然的事情。

第五、奇葩中二病中二不一定是青春，但青春一定是中二。

电影里那些稀奇古怪的行为。

例如在饮水机打火锅，烫发器烧牛肉。

摆心形蜡烛示爱等等。

简单回想一下我们青春岁月，自己没做过都听说别人做过吧。

当年不就说有人在电脑主机上煎蛋炸薯条的么。

听着挺奇葩的，但听了又想试一下。

另外我还想提一下电影中那个跟人零交流的女孩，一开始我以为她是一个扁平的人物，代表那些生活在网络中不爱与人在现实中交流的宅女。

但电影却比我预期多走了一部，给她一个背景刻画，同学们欺负她，家里人对她态度生硬冷淡。

她把古意盎然的词句写入自己的日记中，却成为同学眼中的另类和嘲笑对象。

现实生活中有没有这样的人，我可以负责任地告诉你：有的，我也见过。

其实我认识有小妹妹读初中的时候也很喜欢COSPLAY，家长很不理解，对她说的话简直跟电影里千指大人父母说的是一模一样。

因此我在看的时候，感觉电影的细节其实很真实。

这些就是真实发生在这些人身边的故事。

所以我猜想编剧有在二次元圈子里搜集过故事。

在现代社会，二次元、民乐、古风都是主流外的少数派。

尽管近年它们越来越为人所知，但还停留在小圈子内。

最后，我还想提醒一下。

一、在网络上我们接触的世界并不是全部。

我们看到B站的弹幕，豆瓣的打分，微博的评论，真的以为那就主流。

其实有很多沉默的大多数根本不上B站，看完电影也不打分，也不关注微博。

这就像电影里网络上呼声很高的千指大人，在大人们面前就不过是“把自己弄得像个鬼一样”。

豆瓣上低分电影票房依然过亿。

因此，我们不能靠网上的印象，就去下定论。

二、其实，豆瓣至今已经有十几年。

可能很多人没有注意到自己已经老了。

看看自己的身份证。

还是高中生么？

这部电影里，中学生还未成年，他们的中二人生，对大部分评论的人来说，其实已经是过去式了。

虽然每个人都有青春，但每个青春是不一样的。

三年一个代沟，如果用老饼的目光看青年人，自然就是片中父母或者是那些自以为成熟的好朋友的眼光。

青春就是热血。

未成年就是未长大，未成熟。

其实成熟也是一种妥协。

在成年后拒绝长大就是一种热血和勇敢。

在多数派中坚持少数派，也是一种热血和勇敢。

长大后还坚持活在二次元的人们，身上就是这种热血和勇敢。

电影里的少年们，身上就是这种热血和勇敢。

相信无论是学动画、从事动画行业的业内人士，还是单纯热爱动画、沉迷「二次元」的爱好者，大多数人都曾经有类似的经历——或许你是个小圈子里的大手，微博上发个图动辄成百上千转，B站发的视频被密集的弹幕所覆盖。

可当你从圈子里回到现实，根本没有人认识你，你依旧与周围格格不入，甚至，连家人也不理解你的世界，将你喜欢的东西看作是妖魔鬼怪。

或许你在网络上只是个小透明，但好歹有一群志同道合的小伙伴，每天聊天吹水，互相卖对方安利，倾诉着各自对动漫的热爱之情。

可当你脱离网络，现实中的朋友没有人会陪你聊那些你热爱的东西，甚至，他们可能还会对动漫冷嘲热讽，认为这种热爱过于幼稚。

「你学这些有什么用，那玩意儿以后又不能当饭吃。

」

不仅仅是二次元，「有什么用」大概是每一个曾经在某个冷门圈子里小有所长的青少年，都会被家人无数次过问的问题。

它希望将世界一切事物划分为了有用之物和无用之物，彻底隔绝了对「无用之审美」的情操陶冶，其思想代表了成年人的功利主义与青少年时期的纯粹热爱之间的碰撞。

但是，即便你所热爱的东西和整个世界都不一样，看起来似乎「没什么用」，它依然有存在的价值，因为它塑造了你的个人人格，也培养了你的生活情趣。

目前正在上映的电影中有一部叫作《闪光少女》，是目前国产保护月内猫眼评分最高的一部，高达9.2分。

然而，在国产青春片市场妖魔乱舞，各种顶着「大IP+小鲜肉」标签的粗制滥造作依然获得上亿票房的情况下，这部难得的国产青春片佳作却票房惨淡，排片率低下，上映5天仅3000万票房。

《闪光少女》讲述了一个为了向喜欢的师哥证明扬琴的少女陈惊，在组建民乐乐队的过程中遇到了几位二次元女孩。

从互不了解到走进对方的世界，陈惊和她们的「2.5次元」乐队能否改变民乐被冷落、误解的现状？

这些他人眼中的另类，又能否走出自己的路？

她大声喊出了自己的答案：不一样，也能闪光。

很多人说《闪光少女》是个坏名字，我不能同意。

片名其实已经很好的囊括了片子的气质：不想留下任何遗憾的少女们（和一个少男），痛痛快快的活在当下，只为那瞬间的闪耀而耗尽全力，肆意挥洒青春的汗水。

《闪光少女》这个名字其实借鉴自东京事变的同名歌曲，本身就是JPOP名曲。

其实私心一直觉得这个名字和另一首无限开关的JPOP名曲《全力少年》有异曲同工之妙，都是我曾经无限循环的歌曲。

单看名字就能让我这种老胳膊老腿的大叔再一次产生全力奔跑、全力闪耀的冲动，这种名字怎么会是烂名字呢！！

（摔！！

）点击收听閃光少女東京事変-スポーツ苹果女王赛高！

但不可否认的是，《闪光少女》的海报和预告实在是大失水准。

看光海报还以为会是穿着好似《巴拉拉小魔仙》、《舞法天女》的山寨风天雷剧，也让很多影迷敬而远之。

感受一下这片最初宣传海报的风格……真的尬出天际了由于「二次元」近期被资本炒得火热，「二次元」也变成了一个大框，什么东西都在往里面装。

因为只有把概念炒大，那些以二次元为受众的创业公司才能更方便融到资。

于是，无论你来自动画圈，游戏圈，还是LO圈，COS圈，哪怕有些圈子之间实际上联系并没有那么大，大家还是都被叫成了「二次元」。

甚至有些毫不沾边的东西也被强行划到二次元范畴内，这也导致了很多人对这一概念的反感。

在这样的前提下，出一部讲述二次元的青春片，很容易被人误认为是强行蹭热点。

可我想为《闪光少女》作辩解，它真的不是这样一部电影。

资深的二次元们很容易看到有关二次元的部分充满瑕疵，也难免有单纯贴标签的嫌疑——比如说，片中502宿舍的装饰过于浮夸，而且她们的日常穿着也过于夸张，实际上很少有人平时上课也穿LO装和COS服；

比如说，片中对古风的常识不足，为了凸显古风的正当性硬扯上《中国通史》和古代乐器变迁，有些强行拔高的意思，实际上古风的正面意义更多在于发扬传统乐器而非研究历史和继承古乐；又比如说，漫展上的偶像宅跑到音乐厅给民乐打CALL，强行把几个交集很小的圈子凑到一起，也是让人尴尬的一点。

我也就片中的相关部分是否能被二次元接受这一问题，在自己微博上专门做了一个小调查。

结果，即使很多人会对其中二次元部分觉得尴尬，也依然对这个片子抱有好感。

我想问题的关键在于，鲍鲸鲸的剧本有一种真诚的气质。

大多数国产青春片，无非是两个套路。

一种把青春的迷茫和苦痛单独抽出来刻意强调，打架、做爱、堕胎、撕逼，以非常过激的方式撕开青春期的伤痕。

他们有意展现青春的残酷，却又将其仅仅当作一种噱头而并未触碰其本质。

他们或巧妙的利用了青少年对青春的不安和对成熟的渴望，或迎合青春期有意放纵而又充满踌躇的心态，毫不负责将他们推向虚构出的浮华。

他们，只是对日式「太阳族电影」的拙劣模仿。

另一种，则是青春逝去之后的怀旧叙述。

影片是以成年人视角出发的，也是拍给成年人看的。

然而，大多数此类青春片为了引发成年人共鸣，会沦为大肆堆砌时代符号的产物。

甚至，他们可能来自成年人青春不再的吁叹，可能来自酒桌上吹嘘青春往事的谈资，更可能只是中年大叔企图重走青春、满脑子荷尔蒙的意淫。

但《闪光少女》不是这样的青春片。

她讲诉青春的迷茫，却并不是血淋淋的撕开伤口，而是温柔将其抚平。

她也讲诉青春期的爱恋，但并没有爱得撕心裂肺，而仅是浅尝辄止，只是每一段平凡青春里微不足道的小心思。

更重要的是，她还讲述了青春里珍贵的友谊，成长和活力。

青春是拿饮水机涮火锅的小机智，青春是暗中顶撞老师的小叛逆，青春是打架后没心没肺的握手言欢，青春也是低落时和你站在一起的伙伴。

青春是挫败后的踌躇和迷茫，青春更是每一次竭尽全力的闪光。

她没有成年人居高临下式的虚伪和傲慢，也不是猥琐中年人回望青春时的意淫产物，而是真真切切的，真正发生着的青春。

这是目前国内青春片最难得可贵的品质。

至于片中的二次元部分，我无法确定鲍鲸鲸对二次元描述失实的原因。

或许是为了加强戏剧张力，或许是为了还原主流视野下被妖魔化的二次元，又或许是因为圈外人看圈内，有些雾里看花，更可能是三者皆有。

但抛开二次元这一层外皮来说，《闪光少女》的故事核心其实在于每个不一样的人都应该被得到尊重，有拥有闪光的权力。

二次元只是一个切入点罢了。

在这个核心的基础上，虽然鲍鲸鲸笔下的二次元过于夸张，但她并没有像目前众多的「二次元综艺」节目那样以猎奇的心态去展现二次元，而是平等的注视着二次元。

有一些尴尬，有一些不合群，有些行为让人无法理解，但有自己热爱并坚持的东西，刨开「生人勿近」的冷漠外表下依然饱含着青春特有的亲切与热情——无论是不是二次元，这都是青春共通的闪光点。

鲍鲸鲸找到了这个点。

所以尽管女主角陈惊对二次元充满误解，可她在实际接触过真实的二次元后，能够抱着互相尊重的平等态度和她们交朋友。

当陈惊解救了被人欺凌的自闭少女时，说出「每个人都有自己想要珍惜的东西，这事儿好笑吗」时，才真正走进了片中二次元们的内心，正式与二次元们达成和解。

就在陈惊挺身而出的那一刻，我觉得自己也与鲍鲸鲸达成了和解。

尽管鲍鲸鲸笔下的二次元笑话百出，一开场时让我特别尴尬，但就好像与朋友相处一般，只要互相了解之后，仍然会发现对方身上的闪光点。

其实二次元和非二次元没什么不同，朋友之间并不需要一定要对彼此的兴趣爱好都了如指掌，因为无知而闹出的笑话并不是什么大不了的事情，只要大家是平等的，能够互相尊重就好。

在市场上充斥着对二次元的猎奇消费心态时，在我们真正出现一部属于二次元自己的电影之前，我觉得《闪光少女》是非常重要的一步。

按照惯例，每次夸完之后又要到挑刺的时候了。

前方剧透警告《闪光少女》立意可以说是当前国产青春片中的一股清流，剧本结构虽俗套但也相当工整，不过仍然存在着诸多不足。

首先是王道少女漫类型的剧本，男女主虽然立住了，但女主的配角伙伴们还是苍白了不少，尤其是使用琵琶和中阮的贝贝、塔塔。

需知对于青春片而言，配角的鲜活程度能够侧面加强观众对女主的移情，也能更让观众对故事中的世界产生代入感。

想想《花牌情缘》中的肉包君、桌子君和小奏，正因为这些配角立起来了，才能更凸显千早对友情的重视，团队的力量才更有说服力。

真人电影版《花牌情缘》中大量缩减了剧情，但主要配角仍然立得住这也是由于剧本中文戏过多偏向男女主（尤其是开篇略有些冗长了），而群戏中又缺乏女主与配角的互动所造成的。

青春片中共同奋斗的小团队，最重要的是那些细节里的小互动，比如生活中一次无聊琐碎的交谈，比如演奏过程中一个肯定的眼神。

在剧本不能够给配角充分戏份的情况下，通过加强一些细节来让观众在脑海中自行组成形象是更有效的办法。

但剧本对502宿舍众人的喜好并未做出清晰的设定，而是倾向于将二次元属性整个一箩筐的往她们身上加，怎么方便怎么来。

千指大人和樱仔要好很多，前者喜欢《黑执事》，后者喜欢萌系动画，但贝贝、塔塔被塑造得如同纸面人一般，除了LO娘的标签，几乎没留下什么印象。

然后另一个问题，是高潮的错位。

影片的最大高潮来自于西洋乐和民乐大战那一场，在主角经历了漫长的黑暗时刻后，观众压抑许久的情绪在那一场戏得到充分释放。

然而，这场戏实际上已经解决了女主所有的困境，并且突然将视角从女主转移到男主身上，此时唯一悬置的问题变成了男主对女主的感情。

结果是，如果单纯将最后一场戏视为高潮的话，那么它缺乏高潮前的压抑，剧本的情绪线在这里显得有些平了；可如果从男主视角考虑情感线的补完，那这场戏又和前后两场有些割裂，缺少男女主的互动。

最后，也提一下被众多西洋乐学生所诟病的一点：过于夸张化西洋乐与民乐的冲突。

我倒是觉得片子本身的气质，是适合夸张化冲突来引出故事的，完全按照现实中来未免无趣。

但剧本确实在主题深度上没把握好——即使片中有借陈奕迅之口说出「音乐是无国界的」，片中的西洋乐学生也与民乐学生达成了和解，可是，西洋乐和民乐本身，并没有达成和解。

这恐怕是西洋乐学生有所不满的更深层次原因。

片中是有机会做到这一点的，只要在最后一场戏上，多做一些西洋乐和民乐如何融合的过程即可——按最俗套、却也最有效的方式，我原以为最后一场戏会是西洋乐系和民乐系的同台合作，然而剧本并没有这样选择。

或许片中是有心做这样一些尝试的，比如贝贝、塔塔在最后的演奏时换上了吉他和贝斯，可是之前毫无交代，显得突兀了一些，也缺乏足够的说服力能够表明她们在尝试融合西洋乐和民乐。

如果从贝贝、塔塔出发多介绍一些她们对吉他、贝斯的掌握和对西洋乐的了解，整个故事会立得住许多。

说完了鲍鲸鲸编剧的问题，再说王冉的导演。

鲍鲸鲸的剧本细节上哪怕有再多问题，最起码是灵气十足的，台词也相当出色；但是王冉的导演，真的无时不刻流露出一股粗糙的「网大」气息。

首先是过于生硬的转场。

影片中有太多的这样的例子：在上一个场景起音乐烘托情绪，然后最后一个镜头音乐快速淡出，接着是下一个场景的定场镜头。

且不说全片大量采用同样的转场方式过于单调，哪怕完全不懂视听语言的人也很容易感受到影片中转场时情绪的跳跃——观众还在感动上一场戏呢，你怎么就直接切了？！

然后是过于单调的场面调度和剪辑。

坦白说，《闪光少女》的场面调度和剪辑是接近网剧平均水准的，相比院线标准要相差甚远。

在《闪光少女》中，单个镜头里的完整表演很少，多半依靠剪辑来完成。

如何通过镜头的构图，如何通过角色的走位，如何依靠视线匹配剪辑来叙事，片子里展现的很少。

甚至三场演奏的戏，永远是一尘不变的大特写快速剪辑，而且尤其爱用倾斜不稳定的构图来加强视觉刺激。

这么拍燃戏在漫改真人电影里尤其多，可是过犹不及，三场戏拍得差不多是很容易审美疲劳的。

就像那句话说的好，没有武林高手动不动掏刀子，刀子掏多了大家都知道那是用来削苹果的。

缺钱可能是一方面，更重要的恐怕是导演对复杂的场面调度无法掌握，而采取了更省事的做法罢了。

最后，可能也是最重要的，反而不是技术上的。

我深刻觉得导演缺乏了少女力，在表现热血的部分竭尽全力，但在如何抒情上却有些敷衍。

如何用镜头去表现水面下那些无法用言语表达的情感，是每一个拍文戏的导演最需要学习的。

如果镜头里没有情感的积淀，单纯靠剧本上去铺垫，在真正爆发的那一刻，力度会远远不够。

真正好的电影，哪怕剧本已经了如指掌了，可每一次都能从镜头中体会到新的感悟。

说实话，要不是考虑到这是两口子，我都建议鲍鲸鲸换个导演合作了——可是导演能随便换，老公不是随便换的啊！

而且，会喜欢《闪光少女》这种闪耀着少女心故事的观众，谁不希望幕后主创也是对神雕侠侣天作之合？

只能说，导演啊，请你争口气啊，好好补充一下少女力，要拍出更加配得上剧本的片子啊！

《闪光少女》不是一部完美的片子。

同样是音乐题材青春片，《闪光少女》剧本虽然有着优秀的出发点和相对完整的结构，可比起日本的《摇摆少女》无疑还是过于稚嫩了些。

同样是表现二次元题材，《闪光少女》导演也似乎有意识学习漫改真人电影的镜头运动，可比起美国的《歪小子斯科特》，视听语言上还是显得过于保守，缺乏新意。

但是《闪光少女》更重要的是展现了一个国产青春片的可能性。

她让我们看到在中国这片畸形的电影市场下，是仍然可以拍出「正常」的青春片的。

没有撕逼，没有堕胎，更重要的是没有成人的虚伪和意淫，有的是青春中独有的热血，是拼尽全力的奔跑，是每一个平凡青春中不平凡的闪光时刻。

所以哪怕她相比最优秀的那些美国、日本青春片来说相差甚远，我仍然愿意支持她，支持这一份极其难得的「正常」。

愿每一个不一样的孩子，都能成为闪光少女。

愿每一个有梦想的孩子，都能成为全力少年。

本文首发于动画学术趴，作者马小褂，未经授权请勿转载。

二次元这种亚文化这两年在国内越来越火，火到很多公众号根本不知道“二次元”一词是什么意思也要在文章标题带上这词以便蹭一波热点，火到文化人许知远在做《十三邀》这个节目时有一期专门去采访了二次元圈子里的人。

许知远带着疑惑采访了几个热爱cosplay的小女孩，面对这些穿上各式各样COS服装活泼地蹦跶在漫展的小朋友，他第一次在镜头前表现得不知所措。

他可是面对李安等众位大咖都可以表达自如的许知远，但面对这些想法与自己格格不入的小女生，他大概连准备好的采访大纲都无处施展，因为这是一个他从来没有接触过的圈子，是他不知道如何寻找切口去了解的亚文化。

这就是二次元的神奇之处，天然自带一种把圈外人统统屏蔽的气场。

不看动漫、不了解ACG文化的人，无法理解动漫控的快乐，更无法理解为什么他们可以穿着各种浮夸的COS服饰旁若无人地出席各种日常场合，大众把他们形容成——奇葩。

就像是《闪光少女》里的学生不理解502宿舍一样，同学们不敢靠近这个群体、甚至以取笑这个群体为乐，然而，只因自己身处多数派就感觉自带光环站在高位去歧视少数派——这种优越感其实是一种狭隘无知。

《闪光少女》的女主角陈惊一开始也对502宿舍存在偏见，不过，陈惊虽然相对于502是多数派，但相对于学西洋乐的同学她这位学民族乐的人又成了少数派，这种尴尬的情况使得她为了寻求共鸣不得不放下偏见去接近502宿舍，去了解她们的爱好、接触二次元文化。

这恰恰成了陈惊最大的闪光点——对于自己不知道不理解的事物，即使存在偏见和恐惧，也不会去反对打压，而是愿意放下成见去了解。

《闪光少女》里面展现的二次元少女、二次元文化其实与真实的二次元存在偏差，大概导演编剧都不是二次元圈内人，存在一点偏差是可以容忍的。

但它至少勇敢大胆地去展现了这个群体，不畏旁人眼光去让该群体发声，告诉那些沾沾自喜的多数派——少数派也有存在的合理性。

这世界上很多人因为占据着大众文化的道理，就觉得自己站在了一个宇宙霸主的地位，某些极端分子甚至发明了一种文化纳粹主义，试图把自己不赞同、不愿去了解的小众文化、边缘文化一一铲除，以制造一个天下大同的假象局面。

殊不知，这世界有一些鱼是关不住的（不好意思虽然我不喜欢《大鱼海棠》但这句话真的蛮好用的），这些关不住的鱼就如同二次元文化、如同世界上任何一位少数派，他们即便受尽冷眼打压也坚定地站在自己热爱的事物面前，以一种与全世界为敌的气势去对抗某些狭隘的多数派。

而《闪光少女》就让我看到了这份为少数派辩护的气势，无论是对于二次元文化的挖掘、还是对于民族音乐的保护，它都做到了发自肺腑的“爱要大声说出来”。

面对大多数同学的嘲笑，502宿舍坚持我行我素；面对西洋音乐的挑战，民乐一派用对方眼中最土的唢呐去赢得胜利；电影里一开始遭受了心上人大量白眼的女主，最后用过硬的实力给对方一记漂亮回击……这些都是维护少数派的有力证据，是对少数派的温柔爱护。

坚持做少数派不容易，不因旁人的目光而动摇，“我不怕千万人阻挡只怕自己投降”，朋友们，这就是摇滚精神、是“饮冰十年难凉热血”。

少女能够闪光，就是因为从来不会委屈自己去迎合大众，无论你爱或不爱，我自发光，穿着COS服饰的动漫控也一样，不会因为你们的嘲笑我就脱下COS服。

你可能也曾因为太有个性太小众而不被理解、不被接纳，请不要怀疑自己，正是这些与众不同的特质才使你不泯然于众人、才使你闪闪发光，要记住“我就是我，是颜色不一样的烟火”，走自己的路，添多数派的堵。

除了为少数派发声之外，作为一部弘扬民乐的电影，它在配乐上是下了功夫的，西洋乐民乐斗阵部分很燃，gala和杨宗纬的歌与剧情也特别贴合，值得一提的是，客串的陈奕迅贡献了全片最好的表演。

虽然这部电影的确存在一些尴尬的细节、也存在一些生套二次元而水土不服的桥段，不过没关系啊，正如电影里笨拙青涩的少年少女一样，这是青春该有的样子。

《闪光少女》能有这份对少数派的支持、能有对二次元题材大胆的尝试，让人看到了国产青春片的另一种可能，给点耐心，去探索看看少数派还会给我们带来什么惊喜，就像那头发出52赫兹声波的鲸鱼一样，即使很孤独，依然坚持歌唱寻找同类。

这部电影有好多朋友跟同学参演，电影比起现实来说夸张太多了，比如民乐西洋乐斗乐器的桥段现实生活中不存在，本来就不是一个东西，不同类别没法比高低的么。

敌对之类更不存在的，所谓的偏见只会去针对个人而跟你是否是民乐或者西洋乐无关，一个整天不干正事儿的西洋乐学生和不努力民乐学生都会被看不起，反之亦然。

而且作为一个钢琴学生，我只能说民乐系美女多的一批，合作还来不及，才不会有人去找茬呢🙃🙃🙃🙃

我发现现在的电影宣传真的非常影响票房，如果能找准一个闪光点进行大面积营销宣传，会对票房有很大帮助。

比如之前很火的《湄公河行动》和《大圣归来》，这两部电影算是“自来水”非常成功的例子，有多少是真的自来水我也不清楚，但是光靠粉丝喊不出这么高热度倒是真的。

扯远了，来说说这电影的宣传。

说真的，在看电影之前我就只看过一个我爱豆转发的官微放的一个片花，这个片花确实有点燃，但是除了燃，我根本看不出来这电影到底要讲个啥样的故事，就知道提到两个词“民乐”和“西洋乐”。

这两个名词真的好大啊，大到像我这种只接触过竖笛的，根本还是懵的。

直到我看完电影，才发现，哦，原来片花说的是这个啊！

那你倒是好好表达出来啊！

摔！

其实这部电影有两个闪光点：青春，演奏。

既然能有两个闪光点为什么不好好宣传一番呢？

找了那么多明星帮忙转发，你倒是拿出点干货来啊（捂脸）像青春，完全可以套用女主的台词——当你回想起你的十七岁的时候你一定会后悔的！

这个回想起十七岁你在做什么？

完全可以拿出来好好营销一下啊，把电影里这段和后面的剪辑一下发了，找几个营销号转发，转发词就很好想了我十七岁在做啥啥啥的。。

像演奏，那更直接了，那段斗乐多精彩啊，发微博上搞个类似震惊体的文案，类似：唢呐才是音乐届的大牛之类的，还怕没人点进去看吗？

当然，这些都只是我的个人看法，因为我爱豆常年电视剧电影宣传太虐，作为粉丝经常会想各种点子卖安利，就忍不住多想了。

发出来也就是感叹一下宣传真的很重要罢了，不妥请不要喷我。。

我怂

不是最好，但却是很惊喜，今夏暑期一堆以燃为主题的电影，这部观感最佳，主要是开心。

故事简单角色中二，但单纯的可爱，摇摆少女+扑水少年，民乐+二次元，转化为趣缘的坚持+次元壁的破除，虽然对元素的展示只是表象且极端，但却突出了不同人群的特殊性，青春洋溢少男少女，很有朝气 上来先放一句大话，个人观点，这部《闪光少女》是今夏暑期迄今为止让我看得最开心一部作品。

不是最好，但最有趣。

PS，本片的所有海报，真尼玛是极品的难看，不要因为烂物料而错过一部有趣的电影。

如果你以为这是一部关于音乐与梦想的励志片，不免有些片面；如果你以为这是一部青春期躁动与友情时光的电影，实则太过平庸了。

总体而言，这部《闪光少女》很难给予定位，电影比单纯的青春片要高级很多，却又不如传统竞技类电影那般专注于某个行业领域，大致介于二者之间。

如果非要给《闪光少女》一个定位的话，个人觉得，这是一部异想天开妙趣横生的青春励志喜剧片。

其实不要在意这些细节，电影提供的娱乐效果，让观众能够自然而然的进入电影所营造的独特视角中，来自鲍鲸鲸的编剧，新导演王冉，再加上清一色的新演员，并不是说有多么好，就是简单有趣，让人开心。

冷门视角的共性励志《闪光少女》的故事很简单，从体量上让人想起了日系的青春励志片，比如行业剧之王矢口史靖的那部《摇摆少女》，后者描述的是一帮一瓶子不满半瓶子晃荡的少女们组成爵士乐团的故事。

本片与《摇摆少女》有点类似，同样是组乐队的故事，只不过本片是专业民乐团的少女们，并且在其中融入了民乐与西洋乐的交锋。

故事简单，但内涵其实有点噱头。

正如之前说的，本片并非《摔跤吧！

爸爸》专业行业类竞技励志，对民乐的呈现点到为止，就像《摇摆少女》那样，为什么矢口史靖作为“行业剧之王”，他的作品如今受欢迎呢？

就是因为这些的作品表面上是对某一冷门行业的展示，骨子里面是大众级的故事，在通过对“趣缘”的差异化吸引观众兴趣，在故事载体下，突出“物尽其用”的励志效果，从而达到共性的娱乐化效果以及主题精神的传达。

从《五个扑水的少年》（男子花样游泳，小众与大众青春）开始，直到《哪啊哪神去村》（伐木行业，传统边缘职业与主流时代行业的冲突）都是如此。

这部《闪光少女》也是一样，甚至更加复杂一些，表面上是民乐与西洋乐的交锋，实际上是二次元文化与三次元之间的冲突，但这两个八竿子打不着的领域是如何交织在一起呢？

文化与次元之壁《闪光少女》的视角很独特，却也符合常理，民乐与二次元的联系，主要在于以下两点：其一，对人群的划分，也就是“壁”的产生。

电影对民乐的展示点到为止，并未深入肌理，却通过对比的方式，将民乐与西洋乐划分为两个群体，通过对比的方式来描述二者的不同之处。

然后再根据故事的发展，将小小的音乐学院的两个群体，扩大为二次元与三次元两个群体，并在其中寻找到了一个结合点——古风。

然而很多人不了解古风，认为其是单纯的中国风，区别如下：★“中国风”讲白了就是“中国乐风”，西洋乐器 民族乐器的合成，曲子节奏更加时尚，歌词的风格更偏向于近代诗歌，更加通俗易懂。

★“古风”则是强调的是民族乐器与电子合成器的使用，不涉及任何西洋乐，古风歌词很多化用古人诗词，也更注重措辞韵脚，其词中大多有故事背景。

念白和文案，是古风的特色，另外古风多流行于网络。

确切的说，古风常见于我国的二次元世界，比如B站就有很多古风达人，去年超女冠军圈9，就是一位成名于B站二次元歌姬（在舞台上还翻唱了银临&Aki阿杰的《牵丝戏》）。

电影则是选取了民乐与二次元的交叉点，即“民乐+二次元=古风”。

两种事物之间存在着隔阂，必然会产生“壁”，民乐与西洋乐，二次元与三次元之间就存在着这么一个看不见的“壁”。

电影中的表现更加直接，直接在音乐学院的不同乐曲习作区域，竖了一道铁栅栏，象征着“壁”。

而且这个“壁”是互为的，三次元对二次元存在“壁”，二次元对三次元同样存在“壁”，二次元很多消费者，认为其他人不懂得二次元精髓，主流群体/西洋乐对二次元/民乐存在一个偏见，因此不得不将自我世界封闭、保护起来。

有的时候会成为小群体内的自嗨。

你来我往，这样一来，“壁”的概念就加深了。

趣缘之动力其二，就是小众文化的逆袭，也就是“趣缘”之故。

在我国，民乐与二次元的共性，就是他们都是如今的边缘化处境，一个是传统文化如今的边缘化，另一个干脆就是直接的亚文化。

如同电影《百鸟朝凤》那样，对传统民俗坚持中的情感，《闪光少女》中的民乐和二次元，也是弱势群体，玩民乐的被西洋乐瞧不起，喜欢二次元的更是被主流文化所摒弃。

电影有着对传统民乐的坚持，也有着破除次元壁的诉求，二者完全统一在了“趣缘”的格局下。

二者的共性，就是因为兴趣所致，也是《闪光少女》后半段的主题，你为什么学习民乐，为什么喜欢二次元，将物尽其用的励志融入到兴趣之中，女主角陈惊为什么要学扬琴？

就是因为父母，为什么要组建乐队，就是因为为了追求西洋乐大师哥而已。

为什么要学习二次元文化，就是为了拉拢乐队成员而已。

这一点，就很像矢口史靖的作品了，比如《哪啊哪神去村》中的染谷将太，为什么要去深山老林的伐木，无非是在大城市找不到工作，为了追求封面女郎长泽雅美而已。

因此，在电影后半段就突出了趣缘的重要性。

逆其道而行的女主角，最终顺流，无非是兴趣所致，陈惊母亲（闫妮）的一席话看似有些玄幻，却是意料之外的动力，也是电影核心，没有主流与亚文化之分，也没有弱势与强弱之别，完全在于兴趣，将物尽其用之说发挥的淋漓极致，甚至给了年轻人的价值观做引导。

有了“趣缘”的动力，剩下的任务就是弱势群体和边缘文化的逆袭，完成“破壁”。

青春的破壁值得一提的是，《闪光少女》无论对于民乐，还是二次元的展示，都是比较极端化的，也就是说，只是展现这些边缘文化的冰山一角，且不求全面只求代表性。

这样做的好处，就是让观众能对片中所展示的民乐和二次元产生浓厚的兴趣，缺点也是有的，就是没有代表性，这是一个遗憾。

说白了，就是极端化的展示，刻意强调了不同人群的“壁”，比如二次元玩家，现实中并不是这样，但电影却让他们现在实现中也穿上了卡哇伊的服装，极致的渲染与众不同，这就是极端化展示，是电影夸张的处理手法，虽然有失妥当，但却强化了主题。

尤其是对角色塑造方面，502宿舍的几位高手，非常极致化的个性刻画，御姐般的千指，一句话也没说过的樱仔，跟复刻出来的姐妹一般的贝贝和塔塔，简单、有趣且深刻。

无论是音乐大乱斗场面，还是最后在西洋乐队的帮助下，完成一次古风民乐的演奏场面，这就是“破壁”的过程，这两场戏是同类作品标准的燃点模式，观众受浸染，纷纷站起来随着节奏跳起来，我想，她们的魅力不仅仅在于电影主题的强化以及演奏本身的燃点，更在于青春的朝气吧。

这便是我在这部影片所强烈感受到的，青春的气息，《闪光少女》终究是一部富有朝气的青春片。

因为年轻，才会调皮捣蛋寻找刺激不断闯祸：在饮水机里煮火锅，用卷发棒烤肉，去楼下表白然后被“十动然拒”，甚至安排了一场“意外”的演出。

电影这些桥段，构成了本片大量的喜剧桥段。

也是因为年轻，才会满怀激情投入新鲜事物，努力奋斗并享受其中：偷偷去教学楼练琴、专注于二次元文化，甚至音乐大乱斗。

电影这些桥段，构成了本片的戏剧冲突部分。

还是因为年轻，是男女主角结尾处，在萤火虫飞舞的野外那点到为止，此时无声胜有声的情感交汇。

这些只有在年轻时才会冒失犯的错，闹的笑话，努力做的事，表达的情感，让人捧腹后禁不住感叹：青春真好啊！

这就是《闪光少女》的观感，很简单很励志也很有趣，所以看得很开心，无论是次元壁还是趣缘，年轻的孩子们，调皮热情，还有一些憨厚和纯真，看不完的那些青春洋溢的男孩女孩们…彩蛋1、陈奕迅陈奕迅作为本片的最大彩蛋，可能是由于为了提升电影宣传热度，早已被片方曝光，如果一直隐藏下去，观影的时候绝对是最大的惊喜。

这位演得角色，好似费玉清。

2、音乐大乱斗有的人不太懂这段大乱斗为什么是西洋乐输了，其实个人也是音乐小白。

大致听了一个大概，在发布这段内容片段之后又看了一遍大致了解：千指首先用《广陵散》独奏气势。

该曲 “纷披灿烂，戈矛纵横”，带有 愤慨不屈的浩然之气 ，实为宣战。

随后西洋乐那边的竖琴，演奏的是《德彪西第一号阿拉伯风华丽曲》，浪漫流畅，意思就是我们轻松应战，不怕你们。

西洋乐用《野蜂飞舞》起头，这是尼古拉·里姆斯基-科萨科夫的成名曲，也是被誉为世界上最快的钢琴曲之一（有兴趣的可以听听马克西姆·姆尔维察的版本，很著名）。

西洋乐选择了一段非常复杂的乐曲挑战，那边民乐也迎合，用民乐演奏了《野蜂飞舞》，能够跟上西洋乐的步调。

结果是随着唢呐小哥的出现，把西洋乐带跑了。

那段唢呐是《百鸟朝凤》， 用乐曲模拟百鸟和鸣之声，结果西洋乐跟不上了，因为西洋乐演奏不出这种效果和曲调，民乐胜利。

我是这么理解的，不知道对不对。

3、《权御天下》2.5次元乐队在漫展上演奏的那段是原创Vocaloid中文曲《权御天下》，没有配词而已。

值得一提的是，这片一定要出原声大碟，必收。

4、babymetal结尾演奏，弹中阮的贝贝与弹琵琶的塔塔，换上了电吉他，个人感觉这个桥段有点致敬babymetal的味道。

PS，最后7.25更新一下，关于宣发团队下跪的事件，别逗了，1、早干么去了；2，你们跪错人了当年《百鸟朝凤》下跪主要是因为吴天明导演的遗作，真的希望更多观众可以关注，结果电影票房雄起。

第一次下跪有用，第二次有用吗？

这部电影的宣发是真的烂，烂到什么程度呢？

且不说屎一般的物料，包括海报+预告都是其烂无比，主要还是该片的营销方向。

作为一部与二次元有关的作品，这部电影竟然没有针对二次元做任何东西，电影定位和受众完全不对，哪怕去B站发布点东西，哪怕发动一些二次元的爱好者也行啊，完全没有。

很多观众根本不知道这片与二次元有关，这就是极大的问题。

再者说，这部电影的音乐监制+联合出票人是著名音乐人梁翘柏，编剧是《失恋33天》的鲍鲸鲸，徐佳莹、逃跑计划、杨宗纬、周笔畅、中岛美嘉献唱的一堆推广曲，这些信息有几位观众能知道？

或许这些歌、这些主创信息都有推广，但电影从根本上定位和受众就一团糟，导致很多这片真正的受众根本不了解电影的真实情况。

这部电影的宣传+物料制作团队，真是史诗级糟糕，完全是反面教材。

下跪？

你们应该跪片方而不是跪观众。

这部电影的背景设定在音乐学校，围绕中西乐器之争，讲述了一群民乐及二次元爱好者逆袭西洋乐器的故事。

其间还穿插着一些若有若无的爱情故事，却也显得相当自然。

表面看来这或许只是一部无脑的校园青春片，不可否认，当我的朋友给我推荐这部电影的时候我内心是拒绝的，特别是在看了这部电影的海报之后。

没有想到，抱着可能会被骗的心态，鼓足勇气去电影院贡献了票房之后，我意识到这次尝试是非常值得的。

因此，虽然对二次元世界完全不了解，但这依然无法阻止我对这部电影的推荐。

记得前不久的葛兆光在批评大陆新儒家的时候用了一个比喻：“就是如今世界像一部宏大的交响乐，中国是要加入这个交响乐乐队，用自己的政治和文化给这部乐曲增加复调、丰富声部，使它显得更丰富和更华丽？

还是用不和谐的节奏、韵律甚至音量，压倒它并且取代它？

”在看到这个问题的时候，我并没有理所应当地选择看似很有道理的前者，而是在想，我们有我们自己的音乐吗？

我们有自己的政治和文化吗？

换句话说，我们所谓的“自己的政治和文化”，我们自己信吗？

这是一个非常严肃的问题，非常恰当地反映在了这部电影里。

这不一定是导演想要讨论的，却是我们自己应当思考的。

一、用阶级划分音乐？

电影中有一句台词非常让人痛心，那就是在女主角“神经”给帅气的王师兄表白失败后，王师兄在剑拔弩张的对峙中喊出：“音乐是有阶级的！

”本来对于这个人设我始终保持着一定程度的期望，但是在那一刻这个人设在我心中完全崩塌了。

回头想一想，这样的认识又何尝不是存在于我们大多数人的心中的呢。

此处反映出的音乐“阶级”，即学习西洋乐器的同学看不起学习民族乐器的同学的现象，可以说是非常真实的，电影中把背景设定在音乐学校以放大这样的冲突，其实这样的冲突和歧视在真实社会中有过之而无不及。

作为一个学习了十二年小提琴的人，不得不承认我对民族乐器存在一定程度的偏见。

在心目中我觉得民族音乐就是难听、土气、喧闹。

我甚至会默默在心中为不同的音乐种类排序，古典、民谣、爵士、摇滚、乡村、电音、金属、新世纪、雷鬼、嘻哈、轻音乐。

但是我根本想不起还有“民族”这个分类。

在虾米音乐的分类中，民族被冠以“中国特色”的名称。

如果要排序，我很难保证不把民族排到最后一位。

最为可悲的是，在口头上我会坚持着政治正确，认为我们应该多了解民族音乐，多听民族音乐，但是其实我很难爱上民族音乐。

音乐本不应该有阶级区分，但是我们每个人都在私底下进行着阶级区分，这背后的原因又是为何呢？

简单来说，多半还是能够将原因追溯于音乐背后的金钱竞争。

在这个资本话语的世界里，每当我们提起西洋音乐（或者是古典音乐），映入脑海的是昂贵的钢琴和小提琴、高端大气的音乐厅、庄严尊贵的燕尾服、昂贵的演出门票。

但是换做民族音乐呢？

街头拉二胡的残疾人？

公园里的大爷大妈？

丧葬仪式中的唢呐？

新店开业的腰鼓？

在电影里双方争执的时候，首先想到的就是将“天桥卖艺”作为惩罚方式，也反映了民乐带给人的第一印象。

客观的社会因素造成了我们根本没办法静下心来欣赏音乐本身的艺术性，映入脑海的一系列意象模糊了我们的判断力。

这一系列意象反过来不断强化我们的认知，在这之后资本的竞争赤裸裸地显现了出来，西洋音乐在乐器、表演场地、服装等等各个方面都普遍比民族音乐昂贵许多这或许是不争的事实（或许有人会反驳其实民族乐器也有非常贵的，但是很不幸的是总体而言，至少对于大多数不太了解的人而言，西洋乐器肯定是贵于民族乐器的），这让人们认为，“啊，能学西洋音乐的都是富人，学民族音乐的都是穷鬼”。

功利世界的价值观、用金钱区分一切的价值观，在此刻被自然而然地附着在音乐之上，习惯于用数字丈量一切的“大人们”，为每种乐器标价，同时试图通过这个标价为自己的孩子涨价。

本应该遗世独立的音乐被拖进了世俗的资本泥潭，如果要说没有阶级反而是很可笑的了。

这也是影片中人物说出“音乐是有阶级的”这句话后，全场陷入尴尬和无奈气氛的原因所在。

二、音乐背后的中西之争，同时也是古今之争音乐背后的中西之争不仅仅是资本的角逐，同时也是文化的一争高下。

对“西方文化”的推崇其来有自，粗略地说应当是来自百年前的五四传统。

历经两次鸦片战争、甲午中日海战、八国联军侵华的中国，发现“中体西用”救不了中国、洋务运动救不了中国、维新变法救不了中国、甚至连辛亥革命都救不了中国。

这个时候我们求助于德先生和赛先生，仿佛他们能够救得了中国。

于是一场对于传统文化的全面清算拉开了帷幕，在50年前的文革达到了高潮。

五四和文革的余毒至今未解，同时也反映在我们对民乐的鄙夷以及对西方古典音乐的吹捧上。

“现在根本没有人写新的民乐作品了”，这句话在电影中的出现显得如此的无奈而孤独。

同样的困境也体现在思想上。

和音乐分类中“民族”与“西洋”显得格格不入一样，“国学”概念在现代的学科分类中也显得非常另类，与此同时也与“西学”产生了对抗。

人们把“国学”定义为“一国所有之学”，这个其大无外、其小无内的概念反而造成了更多的困惑。

一切“中国”特色的东西都被划归进“国学”的范畴，诸如武术、气功、中医等等说不清道不明的学问一旦被放进了“国学”的大概念之下，一系列装模作样装神弄鬼的所谓“大师”简直层出不穷。

各种各样的丑闻屡见诸报端，自然也就模糊了“国学”作为一种学术的纯正性。

国学领域的混乱在民乐的分类中也同样有着体现，“中国特色”的音乐之下，包含着民乐、京剧、红歌、佛家音乐等等种类，这样的不伦不类无疑也为民族音乐带来了相当大的困扰——和“国学”一样，他们自己也没办法给自己下一个准确的定义。

中西之争不仅仅存在于横向的平面世界，同时也体现了纵向的古今之争。

在人们的脑海中，中国的就是传统的，西方的就是现代的，这样的叙事逻辑扎根在我们从小就熟悉的宏观叙事的历史中。

历史在我们眼中被塑造为进步的、上升的、发展的，因此古典世界必然的原始的、落后的、乡土的，而现代世界是文明的、先进的、城市的，本来只是作为一种时间判断的“新与旧”的区分，变成了带有价值判断的“好与坏”的差别，新的就是好的，旧的就是坏的，这似乎是一个无可置疑的事实。

没有人曾想到过，经历了轴心突破以后，人类精神世界到底有着怎样的所谓“进步”与“发展”？

对于民主的普世追求消解了人们独立思考的能力，“所有事情都可以投票”的民主预设拒绝冷静头脑的思考。

信息的膨胀使得极端的思想更加容易传播，这让整个时代化为乌合之众的狂欢，让全部世界成为群氓之族的盛宴。

因此，所谓“民族性”的丧失其实是我们的自掘坟墓，鸟尽弓藏，兔死狗烹，由《诗经》延续而下的礼乐传统，由北宋士大夫发扬光大的士人文化，最终被我们埋葬在自己的手中。

钟鼓悲鸣，琴瑟喑哑。

就像影片中的的铁门一样，这扇门并不是洋人给我们修的，而是我们自己建了起来。

连我们自己都不再珍惜传统的遗珠，何来走出国门、走向世界的底气？

好在影片为我们提供了一个气势恢宏的结尾，民族音乐与二次元的结合可谓燃爆全场。

同样都是不为主流接受的亚文化，一方的失落来自背后沉重的历史，另一方的失落来自不怀好意的现实。

谁又能想到两者的结合能够迸发出如此的张力呢？

对二次元毫不了解，就不在此做出评价了。

不得不说的是，影片虽然在好几处黑了二次元一把，但是总体上的处理是非常棒的，一点不让人感到抵触。

在这个可悲的逐渐趋同的世界里，保留一点不一样的颜色，难道不是一件非常棒的事情吗。