月光男孩

首先发一部纪录片。

http://www.tudou.com/programs/view/l3Wlqqi5t4A/?resourceId=40538191_06_02_99 借用别人的荐语：【解构嘻哈：嘻哈文化中的性别歧视与恐同文化】强悍、贬低女人、贬低同性恋成为其强化“男性气概”的统一模式，甚至被看成了嘻哈文化的“传统”，这不但由于其诞生的文化背景，也同样被商业文化所许可和助推。

结合这个电影简介：本片选取一名男子在孩童、少年、青年时期的三幕，他长大、相爱、发现自己的性取向，经受外界非议和内心挣扎后，找到了真正的自我和对“男子气概”的定义。

由此可见，月光这整部电影所表达的意义，及主人公追求的成长，都是建立在黑人对男子气概专有的特定理解下。

既将强悍、物化女人、歧视同志等行为等同于有男人味，有男子气概，这是整个黑人男性群体由社会强加或自身潜移默化带来的这么一个固有标签。

所谓潜移默化，多因于成长过程中所受到的教育：不要哭，做个男人！

可以参考这个TED演讲：【TED】托尼•波特谈对男性的呼吁 地址：http://www.bilibili.com/video/av4429222在教育黑人男孩的过程中不断强调不能哭泣，哭泣与成为男子汉背道而驰这一观念，不断强化加持他们身上的固有标签是一种绝对的普遍现象。

而月光的男主恰恰是这样一个爱哭、敏感、怕羞，并且喜欢同性的角色。

他所代表的符号和黑人男子群体所推崇的恰恰相反，也因此他时常受到欺凌，并对自己的个性和性取向产生怀疑。

最终在长大后从众地成为大众概念里的有男子气概的男人——胡安。

有些人说看不懂这部电影，有些人说故事超级简单不知道导演想表达的意图，有些人还说拍黑人同性恋不就是为了拿奖嘛，其实拍白人受到校园欺凌也是一样的。

实际上，不一样，男主所受的并不仅仅是纯粹的校园欺凌。

他的性取向和这种个性不单是同龄人所不能接受的，就连他的母亲也对此嗤之以鼻。

这一切欺辱的根源都因为他是一个黑人男性，如果脱离了黑人及同性恋这两个关键条件，那么这整个故事存在的价值就不大了。

因此，想真正了解这部电影需要先了解黑人，了解黑人同志。

当然也可以不了解，那么就引出我下面要说的话。

很多人不了解黑人群体的特征，更不了解黑人同志所处的境遇，便强行将这部电影归结为政治正确片，为了拿奖而拍。

你可以不了解，但不了解的同时又指手画脚地说了解并欣赏这部电影的人品味有问题，那么真正会使人觉得有问题的只会是你的个人修养。

2017年奥斯卡终于在乌龙中落幕，最佳影片是《月光男孩》，很多人在问凭什么？

而《月光男孩》主打同志题材又会让人不由得拿它与《断背山》对比。

《断背山》的艺术成就明显高于《月光男孩》，《断背山》在豆瓣电影top250里排名98，经过了时间的检验，这部电影在电影史上也许都会留下痕迹。

而《月光男孩》最大的的关注点居然是奥斯卡颁奖大乌龙，那么电影本身凭什么得奖？

怀着这样的疑问，我观看了《月光男孩》。

看完之后我才知道了原来《月光男孩》在同性爱情的表达上收敛克制，把更多的内容放在了一个孤独男孩的成长上，借着大量的留白和沉默让观众去靠近和体会主人公内心的成长变化，同性的友情（和胡安的）和爱情（和凯文的）都是这成长过程中的温暖陪伴。

对于同性之爱的表达，《月光男孩》显得甚至有点突兀了，喀戎和凯文在第二小节里在沙滩上接吻的时候，由于前面的情节没有给到合理的铺垫而显得突然。

直到第三节才扳回一城，就是喀戎和凯文十年后的见面，满身肌肉带着大金链子的喀戎在餐厅里见到凯文之后，又变成那个小小少年，眼神里有怯懦和渴望，对爱依然保守羞涩。

而已成厨师的凯文认真为做饭喀戎的样子也很感人，让人感觉这是他从业以来做的最幸福的一顿饭，边做还边瞄一眼厨房外的喀戎。

不说一句情绪却满溢。

即便如此，这部影片的视角还是偏私人，这种私人的视角明明是清新小众文艺片的做法啊。

这样的影片拿奥斯卡最佳影片，还是单薄了。

而《断背山》几乎是一部完美的电影。

李安用欲说还休的矜持，讲述了怀俄明州广漠的草原和静谧的流水中，一段如歌的爱情与疼痛的秘密，让很多人心碎。

也让那句“人人心中都有一座断背山，那是一个永远也无法抵达的梦”落进每一个对爱怀有遗憾的人的心底。

当年，李安导演的《断背山》口碑超高，甚至因《断背山》而获得大批同性恋评委的好感——其中公开出柜的便有500名左右，但却并没有因此拿到奥斯卡最佳影片。

有人猜测正是片中的同性题材涉及了奥斯卡评奖的禁区。

《断背山》错失奥斯卡最佳影片甚至被列入奥斯卡历史上几大著名冤案之一。

同性之爱当时还远没有进入好莱坞主流，但李安把它拍出来了，还拍得如此之美，美得所有人都无法扭过头去。

随着时代的发展，主流文化对同性恋越来越宽容，近年来同性题材的逐步打开为电影提供了不一样的炫目视角。

同性之爱非冰非火，它是彩虹的颜色，有同样温暖的温度和同样精彩的故事。

因此才有了戛纳的同志棕榈奖、威尼斯的断背狮奖的出现。

这些奖项针对电影节期间所有单元展出的同性恋、双性恋与跨性别者相关主题的影片，由独立的评审团进行评选。

因此才有了《阿黛尔的生活》斩获戛纳金棕榈奖，才有了《卡萝儿》在2015年声名大噪，才有了《小姐》在2016年上映当时便备受各国影展青睐。

《断背山》出现在2005年，《月光男孩》出现在2016年，所以《月光男孩》赢了。

《月光男孩》的胜利不正是说明了一种时代的进步吗？

今年奥斯卡最佳影片为《月光男孩》打开了一扇门，那么将来LGBTQ（女同性恋者（Lesbians）、男同性恋者（Gays）、双性恋者（Bisexuals）与跨性别者（Transgender）的集合用语）的优秀电影就有了更广阔的天地。

与其说拿下奥斯卡最佳影片是《月光男孩》的胜利，不如说是同性恋文化的胜利，是时代的胜利。

每次跑去电影院看那些在舆论风口浪尖上的影片，内心都会怀揣着十分复杂又略微兴奋的心情，因为在接下来的120分钟里，答案即将揭晓，而最终站队哪一方，更是令人对未来的自己充满了期待与好奇。

前些日子在电影院里看今年迟来的戛纳评审团大奖影片《只是世界尽头》就是这样，而前几天，终于在电影院看到了多伦多国际电影节上，媒体口碑爆棚的《月光男孩》，同样给人留下了不一样的感观与深刻的印象。

由于之前正好介绍了年初大热的《一个国家的诞生》，这一小撮本应在年底颁奖季蹿红的火苗，被丑闻舆论浇灭后，由布拉德.皮特 PLAN B 公司参与制作的影片《月光男孩》，立马接过了黑人大热影片的话题，一路在北美电影节上收揽口碑好评，在多伦多国际电影节期间更是加映媒体场。

日前该片还在多伦多举办了观众首映场，展架和海报宣传物一项都不少，不但排场阔气，占用影院最大的Cinema 1 ，在10月28日－11月10日的两周内排片密集，最多时候同一天两个厅会交替放映10场，不断透露着片方大手笔的气息。

《月光男孩》从九月开始参展的国际电影节

噱头不多说，在110分钟的观影后，你就可以彻底的明白，为什么《一个国家的诞生》与之相比，变得有些刻板和主旋律。

《月光男孩》以轻松的文艺调调，从那些政治正确的主题影片中，妖娆地脱引而出。

要想第一时间感受这部电影的基调，推荐大家可以先去看看该片导演兼编剧：巴里·杰金斯的第一部长篇作品《忧郁的解药》，这部2008年的作品同样在当年的西南偏南电影节和多伦多电影节上收获了不少的好评和赞誉。

《忧郁的解药》2008年参展的国际电影节影片《忧郁的解药》讲述了一对年轻人，清晨一觉醒来，却怎么也想不起昨晚是怎么发生关系的了，他们甚至不知道对方的姓名，一起尴尬的吃了顿早餐，乘坐出租车互相告别。

着急离去的女孩乔将钱包落在了出租车里，意犹未尽的麦卡只好去乔的家把钱包还给她，两人的关系就此拉近。

影片有着文艺电影极简的故事线，就是两个非裔美国年轻人在旧金山闲逛的一天。

从早到晚，从室内到室外，晃动的手持镜头，时而虚焦的画面，自然的跟拍，演员话痨又惬意的表演，镜头灰色系的抽色处理，直到最后一个画面，才给了第二天明亮的清晨里，窗外正常对比度的城市街景。

（影片的两位演员文艺范儿十足）影片的慢调节奏，松散又连贯，充满了悠扬旋律的配乐，年轻人的对白中不断表达了美国人对旧金山这个城市又爱又恨的情结。

像是《爱在黎明破晓前》一样，这部电影会让你爱上一个城市，爱上一对年轻人，并再一次爱上爱情。

《忧郁的解药》中的男女主角虽然是非裔，但他们就是普通的美国年轻人，两位演员本身也有些混血的相貌，他们在都市里穿梭，在自然的环境音围绕下，谈音乐、聊艺术、骑车、跳舞、讨论爱情，全片简直是一剂文艺的迷药，令人中毒。

（影片的成本至少，也是令人惊叹）所以，当这位自编自导的独立导演：巴里·杰金斯，交出第三部作品《月光男孩》时，里面那些松散晃动的镜头，对美国南部城市迈阿密的展现，非连贯性的叙事，以及浓重的色彩和迷幻的配乐，一点也不会令人吃惊，还会令人不断联想到王家卫，因为导演本身就是个王家卫迷。

他还承认影片的结构还受到了侯孝贤《最好的时光》的影响。

只能说，巴里·杰金斯真是个看片品位充满了东方文艺范儿的青年导演。

忧郁蓝调的三段故事影片剧本在导演的改动下，从他与编剧两人在迈阿密共同的成长经历，变成了三段可以独立分割的人生阶段，由三位不同的演员来饰演同一个角色的小学、中学和成人阶段。

在导演的坚持下，三位演员在表演前都没有见过面，并没有刻意的相互模仿，而是通过导演给到的重复行为，例如在洗手间用同样的方式洗脸、照镜子等等，从细微的个人生活习惯，展示给观众这是同一个人物的感觉。

而在每个阶段里，并没有一个起承转折的完整故事，从弱小的Little、到瘦高的Chiron、再到壮实的Black, 每个阶段他都经历了家人与朋友的靠近和背叛。

而男主角：Chiron总是封闭自己，无处发泄，影片中母亲对于他的影响和压力，表现的极为艺术和到位。

有直接的争吵，也有虚幻的色彩与慢放的镜头堆砌。

令人想起多兰在《我杀了我妈妈》最后对于王家卫试镜头的运用。

而导演：巴里·杰金斯选择更加的完整运用了两次同样的镜头，一次消声，一次是母亲怒吼的噩梦，令观众可以感同身受的拿到，从小男孩Little到大男孩Black的心路历程。

母亲的重压对于他，其实从未减轻，人说时间会淡化一切，可惜有些印记，只会越来越重，有些鸿沟，只会越来越深，有时亲人之间的裂缝就是这样。

男主角从一个别人口中的Little，经历了中学时期的反抗，最终变成了一身伪装的Black，而他一生中最重要的转变和最真实的自己，都是在他本名的故事桥段Chiron中发生，他遇见了自己的初恋，看清了愤怒的自己。

月光下蓝色的男孩直到Chiron成年，变得强壮有力，他依然沉默不语，远离了自己曾经生长的城市，逃离母亲。

直到初恋情人的一通电话，才把他拉回了故地，让他找回了自己。

也让故事在第三段的结尾，终于与第一段形成了闭环的呼应。

Little站在年幼时学习游泳的海边，他感受到了位于世界中心，在水中的自由之感，在月光下，他变成了蓝色的男孩儿，回头望向成年的自己，同时也是成年的Chiron对于年幼时自己的正视与认可。

这段臆想中的结尾，更是给这部文艺片，增添了几分浪漫情调。

影片在夜景里，对于灯光的运用和色调的把控，并不比室内单薄。

车灯、街景、月光，都被上了色，不断的呈现蓝红交错的浓郁色彩，仿佛Chiron内心浓郁的情感，不断的在空气中浮动。

影片的原声由Nicholas Britell负责，他以往的作品有去年大热的《大空头》，今年的《琼斯的自由国度》，以及2014年的《爆裂鼓手》等等，配上导演的镜头画面，氛围烘托的十分饱满。

城市与母亲的命题影片的故事主题并不沉重，而是每个年轻人多少都会经历的破碎家庭、友谊与爱情的牵绊。

镜头里迈阿密的阳光灿烂，景色鲜亮，更衬托了Chiron的犹豫和孤独，以及他的不合群。

这些既来源于他不同的性向困扰，也来源于母亲的嗑药的自卑和伤感。

在童年时期，试图帮助他的Juan，本身就是个买卖毒品的生意人，对他影响极大，但是也让他看清了世人的两面性。

影片的第三段，当他也成为了同样的生意人后，无论是开的车，车内的装饰和播放音乐，都和当年Juan极为相似，点滴中可见对他的深远影响。

而到了中学时期，出了母亲的毒瘾越演越烈之外，给了他第一次同性经验的好友，却在第二天对他挥拳相向。

这些成长中悲伤的回忆，或多或少成为了我们每个人身上的烙印。

成年后的Black，带着银色牙套，体型健硕，仿佛变了一个人，在另一个城市生活着，有了新的朋友，仿佛忘记了所有的过去，一个人孤独的生活着。

在母亲的催促下，当他在戒毒疗养院里面对母亲的所求和认错，他依然哭着说：“我恨你。

”，相信这句话也是他发自肺腑之言，真实又残忍。

导演说他与编剧都有儿时母亲吸毒的经历，影片没有去讲那些大道理，也没有去粗暴的呈现社会上广义的人种歧视行为，而是展开一个普通美国南部城市中，普通美国黑人青年的生活状态，其中伴着底层社会人血与泪的艰辛。

镜头的环绕与晃动导演在《忧郁的解药》中，就使用了流畅的手持镜头语言，这次在《月光男孩》的开篇，就用了环绕式的360度慢速旋转，来拍摄人物并展示周围环境。

相比《忧郁的解药》中的180度环绕，《月光男孩》里的镜头更加规整自然，流畅稳定，给人很舒服的视觉感官。

搭配上《Waterfall/Cucurrucucu Paloma》的歌，与王家卫的《春光乍泄》、阿莫多瓦的《对她说》使用的是相同的一首原声配乐，让影片的调性，持续走高。

故事中男主人公生活里那些细碎的经历，有痛苦、有悲伤，都充满了化学效应，重在表达人物的情感抒发，令人感觉到时间在空气中发酵。

人们就是这样的相互需求，却又难以相处，亲人和朋友皆是，最终一切情感都化解在对自己往昔的回忆里，还好导演在结尾处给了观众美好的想象。

相信这部不一样的同性题材黑人影片，一定会在年底的颁奖季不断的被提及和封赏，从而开辟一条，避开主旋律，不同类型风格的黑人故事片之路。

《Waterfall / Cucurrucucú Paloma》他们说每当夜幕降临那个人就会痛哭流涕他们说他什么也不吃总是一个人醉着离去当听到他的哭声连天空都感动了他一直叫着那个女孩的名字直到他死去哎呀呀呀呀... 唱着歌啊哎呀呀呀呀...呜咽着啊哎呀呀呀呀... 唱着歌啊逝去的热情...已死了啊一只伤心的白鸽大清早起来唱歌到一栋孤独的小屋旁敞开的那扇大门边上他们相信这只鸽子心中住着他坚定不移的灵魂他仍然期待着那个女孩回来咕咕咕噜咕… 鸽子啊咕咕咕噜咕…別哭啊鸽子啊,石头哪懂得什么爱情別再为她流泪了本文为［三克电影空间］公众号特约撰写2016年11月5日 多伦多 小玄儿记 ————————————如果你喜欢我的文章，欢迎在 B 站或 Youtube 关注「小玄儿的深夜聊碟」https://space.bilibili.com/1340064530每周五更新，目前可以观看 #日本电影大师蓝光套装系列#台湾电影大师蓝光收藏系列#新老电影混剪系列未来还有更多CC必收蓝光套装系列感谢小伙伴们的支持！

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（刊载于1月17日私人微信号Thestylus）《月光男孩》分三个章节，按照时间顺序从小时候的little，到青年时的Chiron，再到成年时的black，讲述这位名叫chiron的黑人男孩的成长故事。

故事的第一部分着眼于Chiron儿时的经历，导演借助配角Juan以及主角的妈妈、来自其它小孩的欺凌，来展现Chiron的成长环境，试图缕清主角性格的成因。

故事第二部分，与主角产生唯一情感羁绊Kevin首次出现，表达了男主的懵懂情感，并以Kevin为镜反映主角的心理以及周围的歧视环境。

纵然主角有一次酣畅淋漓的发泄和报复，但又有社会秩序对他进行惩罚，于是你看，秩序和法律并不能够及时保护弱者。

环境炼成主角的硬壳，他似乎不得不将内心的“我”隐藏起来，离开这个城市，变成小时候不喜欢的样子。

于是进入第三部分，男主角已然成为一位肌肉发达，戴着大金链子、镶银牙的“直男”，分别多年后的Kevin再次出现，将主角被沉默的外壳包裹的“我”唤回。

电影分为三个部分，在一定程度上导致观众情绪被黑幕生生打断了两次，的确有冲淡本片情感的毛病。

但创作者稍微做了一些衔接的处理，另外，由三幕来表达，又一个人生不同阶段的三个独立故事，相互承接相互映照，其内在的意味好比短篇小说，自然与长篇不同。

电影的选角非常完美。

三个演员表现Chiron的三个阶段，在眼神、个性、举止、思考方式甚至气质上出奇得一致，以至于导演不需要过多交待，我们不可能忘掉男主那双“Blue”的眼睛，我们能在人群中马上认出，啊，这就是长大的Chiron。

唯一不变的是男主妈妈的角色。

从头至尾，从喜怒无常到楚楚可怜，从年轻到两鬓斑白，妈妈这个角色，是创作者强调个人成长和环境的关系的一根弦。

毕竟父母是一个人来到世上最先接触到的人。

父母的样子很大程度上决定了我们成为一个怎样的人。

电影并没有过分的同志、黑人、社会矛盾的符号表达，我们甚至看不到任何一个有推动情节意义的白人角色，情感、成长变化自始至终是这部电影的真正主体。

除了第一部分有过度把视角放在Juan身上的嫌疑外，故事，以及板正、流畅而并不花哨的镜头，基本都将焦点放在男主角Chiron身上。

电影多个主要情节，采用连续的正反打来表现的人物对话，在这样的对话里，加上演员的出色表演，观众很自然地就能理解到文本潜在的含义。

比如，第一段的最后，Juan和Chiron的对话，Chiron问他，“我妈妈吸毒吗”，“你是不是售毒”，在Juan连续两次承认里，导演甚至不需要过多去展现Juan这个人物的本来生活，小小的Chiron自然能体会到他身处在一个怎样的社会里：一个看起来凶悍的毒枭，与自己毫无关系，却知道如何做一个慈爱的父亲；而生育自己的妈妈却不懂得如何当一个母亲；这两人之间，却又是一对施害与受害的关系。

短短一段台词，能讲出如此庞大、复杂而深刻的内涵和人物关系，大约是因为电影本身改编自舞台剧，剧本已经经过舞台的多次打磨。

再比如，第三部分，重逢的Kevin谈话里几次问起Chiron，“你是谁”。

Chiron一脸沉默，若有所思，而Kevin却已是拥有一个儿子、过安稳日子的男人。

创作者借着问题，将这个男孩成长的故事上升到我们所有人的层面，以一个哲学基本问题的姿态。

他并没有放弃更深层次的主题探讨。

就这样，Kevin倚于Chiron身旁，给电影划下一个忧伤的句号。

当然还有导演亲口承认的对王家卫的致敬之处，辗转交叠的暧昧情愫，惊艳的旋转镜头展示空间，以及配乐的精妙运用。

大海、沙滩、月光、眼神、沉静、浅色外衣、男孩、青春、音乐……颇具东方意味的细腻表达，给予这部西方的同志片增添了阴柔、梦幻的迷人之处，少了西方式、非洲式的直接、咸腥和野性。

两极取其中，这都无可厚非地成为其优点。

对了，原舞台剧叫《In Moonlight Black Boys Look Blue》，一个无比优美并恰当的名字。

本该热闹的夜晚，一个人窝在家里看完了这部电影。

有人说得对，这是一部内伤型的影片。

它明明那么细腻温柔地诉说了一个黑人男孩的成长历程，可是我的情绪却在电影结束后久久不能平复。

年幼时吸毒的母亲带来的暴戾对待，少年时被排挤欺凌的孤单，长大后被心上人背叛的伤痛，一路走来，这样的人生未免太沉重。

背负着过多的迷茫挣扎和压抑痛苦，哪怕成年后努力打造出坚固的外壳，但底下依旧是不堪一击的脆弱和孤独。

看到Chiron面对一别十年的心上人终于委屈地说出“你是唯一一个碰过我的人，唯一一个”的时候，看到他面对妈妈迟来的忏悔而泪流满面即使说出“我恨你”但还是选择原谅的时候，感觉心脏被什么揪着一样难受，我懂他眼神里那种深不见底的悲伤，那一刻我很想用力抱抱他，因为我想起了生命中最重要的人的那一段过往。

有些父母永远不会知道原生家庭或自己的行为对于一个孩子的成长及以后的一生会带来如何不可逆转的影响。

而有些恋人也永远不懂他们给你的伤害会如何在你日后的情感道路上变成一堆细碎的玻璃，让你步步惊心不得前行。

而残忍的是不管如何，我们依然要背负着这些不为人知的伤痛，隐忍地走下去。

影片的结尾，镜头回到皎洁的月光下，童年的Chiron独自站在海边，回过头时眼神清澈而坚定，也许这一刻，他终于能和沉重残缺的过去说再见。

我肯定是先入为主地欣赏了这部电影：首先All the Oscar Thing的电影。

其次传说中导演崇拜王家卫借鉴着拍的这个电影。

最后还有同性恋内容。

因此我观赏的乐趣就在于：每次一听有同性恋内容，“这一切是怎么开始的”是我最关心的问题，科科！

然后是寻找春光乍泄的一影子，最后看看这片儿是否真的那么舔奥斯卡。

我有一个经验：对于一个新电影，或任何新事物。

总要迅速的翻看一遍，看有没有动心的点。

没有就放弃，不浪费时间。

有，就仔细看看。

这个电影打动我第一个点是：他在我提前看的黑乎乎和男同学嘿嘿之前，他其实和妈妈有过一段：妈管他要钱的经历。

看两个黑人同性恋嘿嘿嘿，我得承认我的心态是猎奇的，觉得啥也看不清楚，这干啥呢，这是啥？

那是啥？

把屏幕调最亮研究。

但当我看过他和妈妈吵一架后，才发生的这事，我心里挺难受。

要知道锵锵三人行经常请的嘉宾：犯罪侧写专家李玫瑾老师说过：不管你搞啥，只要是在你不要孩子前，都行。

因为她多年对犯罪的研究，一个孩子如果爹妈都不疼不爱的，这个孩子这一生多半是悲剧的。

所以我看到他妈妈跟个歇斯底里的疯子一样我真的感觉到了这孩子的痛苦。

在这我看见点王家卫：不把事说全。

之前她母亲跟他儿子说：你可不能跟家带着，晚上我有伴。

这已经是很冷、很伤害孩子的行径了。

结果孩子在死去胡安家借宿一晚，第二天他妈就莫名其妙地被锁在了家门外，天知道她经历了什么！

一个惨成这样的，如此尴尬的母亲，紧接着就是歇斯底里管自己要钱。

我跟你说，你到了三十岁，你妈这么对你你都得心颤、心凉，完全伤透。

可这孩子也就初高中那么大，在学校被欺负，曾经庇护他的大哥哥胡安也没了，她妈妈还是一如既往地完蛋，他带着这瓦凉瓦凉的心，无依无靠如同风中的破黑塑料袋。

他的生活稍微的幻想，唯一的暖：只有这个叫他Black的好基友了。

恰巧那天月光正蓝，海涛平缓。

好像这世界就这一次对他温柔了一次。

这就是打动我的地方。

我真的心跟着冷～热～然后第二天，同学间又一次霸凌了他，我的心又跟着冷了。

这种起伏造成了我的心动，从这开始我又仔细看了这片，我得说：它不是那么简单的All the Oscar Thing。

我想它能冲奥是因为它探讨一个最近比较流行的观点：男女平权中，男性刻板印象对个性的伤害。

尤其对黑人族群，他们一般给人的印象是：sex machine，特别狠，能打能杀，撒钱金链子，玩女人。

然而这部电影展现了在这些铁板印象下，黑人男主角作为一个人正常的反应。

对不正常的家庭，对于缺乏关爱，对于贫穷，对于被社会排挤和淘汰，他记录了一个人的反应。

貌似电影的路线是小时候贫困交加，然后男主应该开始练肌肉，开始贩毒，一夜十八郎的起范逆袭started from the bottom now we here小曲唱着。

然后影片结束。

其实，You don't even know～他心里的小确幸其实是：为妈妈的道歉流泪，并永远记得自己的好朋友。

这个电影没有拍逆袭，也没负责让观众觉得“同性恋爱真美好”这类任务。

从这个角度看，这是一部很新颖的电影。

我想奥斯卡颁奖并不是简单的颁给一个完美电影。

他总是颁给那些推动人类认知，但如果没有奖项光环就不会有人爱看的电影。

比如《达拉斯家买家俱乐部》，谁会在周末拿着爆米花带着女朋友去关心艾滋病呢？

又如《月光男孩》，谁会去关心一个黑人毒贩不是纯爷们的心路呢？

同样有个片叫《神探亨特张》，如果没有金马奖，估计连排片都没有。

正因为有了这些光环四射的电影奖项，我们才争相一睹这些涉及边缘问题的电影。

才care抽出一点点时间想想：艾滋病人为啥不能直接被人道毁灭呢？

黑人为啥并不是除了女人豪车和钱就没别的呢？

人类就是这样，药得放在糖衣里才愿意往嘴里送。

这些lalaland不需要，lalaland自己就是味道美好的酸三色，放哪都有人看。

所以这片得奥斯卡没毛病，片本身有毛病。

但值得凑着奥斯卡光环看一下。

对人生还是有启发的。

最后加一句，一个家庭再穷，只要成员间彼此有爱，那还算有资本。

如果彼此间连爱都没了，那是真的赤贫。

断续看了快一天才看完，有的地方还反复看了下，总觉得是跳过去了可其实并没有…比如胡安莫名就已经死了…几个演员演的确实不错，但似乎特别打动我的地方并不多。

有一段特别美的，就是胡安教孩子游泳，镜头在水平面上，配着音乐起伏的波浪，让人想到自己爸爸教自己学游泳的样子。

剧情大概就是毒贩也有好人，胡安所行所为影响了男主一生，男主虽然长大变壮也去贩毒了，但面对唯一的好基友仍然保持害羞纯真的心。

男配在男一车里拿刷鞋似的刷子刷胡子，真是挺逗，难道他们都这么刷吗，车里还得备着…政治隐喻之类的我是一点都没兴趣想，所以对我来说它只是一个关于成长和面对自我的不错的故事。

这部改编自Tarell Alvin Mccraney自传性质剧本（甚至不能算是剧本，按照tarell本人的说法，只是artist try to figure things out）的电影，讲述了迈阿密海滩边一个黑人男孩的成长。

三个篇章，little-chiron-black, 以非连续性的时间，串联起主人公在不同阶段的经历。

故事的开端被设定在Miami的 Liberty City，这个因african american聚集度而出名的neighborhood。

同龄人的欺凌，喜怒无常的嗜毒母亲，家庭中父亲角色的缺失，主人公chiron就是在这样的环境中长大。

童年时，生活中难得的温暖来自向母亲提供毒品的毒贩，他解救了被困在小房间里惊魂未定的chiron，请他吃饭，教他游泳，坐在海边讲述自己的童年，温柔地告诉瘦弱缺爱的男孩，in moonlight, black boys look blue。

男孩站在海边，抬起脚，跳进扑来的浪花，红色的衣服在蓝色海面的衬托下跳跃出难得的轻盈。

这是一次点题式的交谈，更是电影中创造出时空交错感的最重要的回忆。

海滩从此成为一个标志，青春期初次身体触碰的忐忑，公路旅行时的叠镜，以及成年后初恋爱人屋外的浪花声，蓝色串联起经历，无比慷慨，摆脱时空的限制。

Barry Jenkins，这个幼年时的家庭环境与主人公相似的黑人导演，用区别于一般黑人文化的含蓄而满怀忧愁的诗意，将tarell个人化的瞬间与记忆转换成流畅的视听语言。

给简单的故事注入了不动声色的力量。

除此之外，细心的观众会在诸多细节中捕捉到这个细腻的黑人导演和东方文化之间的联系。

三段故事里，无论是家中的装饰，旅途中响起的伴奏，或者穿着白色工作服的厨师kevin，都和王家卫的美学有着相近的气息。

的确，导演也坦诚，《最好的时光》与《春光乍泄》，都是他的心爱之作。

这就不难理解，为什么它所呈现出的黑人男孩的成长与生活，与以往影视作品中的所描绘的，有巨大的改变和差别。

如果说08年那部medicine for melancholy像是一部出色又极具情绪张力的实验作品，moonlight就是导演对自身审美体系的一次扩充、加强与整合。

对比强烈的色彩，闪回的梦境，某些时刻声音的消失，都能看出他对形式感和诗意的追求。

在纪录片the first Monday in May中，王家卫作为met gala的文化顾问，和当时的策展人Andrew Bolton讲到过一句听起来与鸡汤无异的道理：seeing everything is seeing nothing。

这句话放在这里，似乎能很好的阐释这部电影在某方面所陷入的一种处境：导演尽力在每一处需要彰显情绪的情节中渲染，却终究还未领悟到留白的重要性。

然而即便有这点不足，电影的表达方式依旧是令人着迷的。

最令人印象深刻的是三次主人公视角的旋转，前两次是危机中幸运遇到相救的手，第三次则是在微渺的希望中被彻彻底底打倒。

如果少年的觉醒都需要一个时间节点，那么chiron的则诞生于被绝望激发出的反叛意识的实践。

从此以后，未来和过去被割裂，彼此平行于异时空，瘦弱的少年变得强壮，在佐治亚开始新的生活。

然而这种割裂又是极其被动的，觉醒之后的少年并没有得到本该到来的公平和理解，而是在爱恋对象百感交集却又无力的眼神中，遗失了少年时代最后一根稻草。

第三章中，镜头下寡言的full grown up man, 拥有着和少年时一样似张非张、犹豫紧张的双唇，独来独往，醒来时身边只有金表和闹钟，看不见俗世定义中毒贩应有的气魄。

对于chiron来说，觉醒只像是饥肠辘辘时反复摩擦的胃壁，纵使成年后努力摆脱年少时被罢凌的记忆，得来的也不过是日复一日的隐痛。

他的内心永远停在了好友kevin重拳相加的那一瞬。

关于背叛，关于谅解，关于告别，在贫民区长大又拥有一个毒虫老妈的他从未有过明朗的认识，然而一片模糊中，世界又给他一次打击。

这样看来，所谓新生活实在像是一个荒谬的玩笑。

在自救的渴望中背离，世界却从未察觉这个年轻人的痛楚。

就算日后练成一副健硕，模仿着儿时的偶像干起了毒品交易，拨开一层层不可摧的外壳，内心的疮痍依然在，而那些奋力修补好的回忆，其实一碰即碎。

因此，那场因突然而至的一通电话而起的旅行，意义更加重大。

旅行的开端，导演镜头里的空气是清冷的，遥遥看去，画面被切成两块，几秒内，某种强烈的情绪由点连成线，再汇集成面，由静止到蔓延，流淌出眼眶，充满整个旅途，却又在被感知的一瞬间，被突如其来的海浪稀释了：万般难言说，化为忧郁，冷静的镜头语言之下，蓄势张力。

然后，车慢慢驶入那一片翻涌的记忆，在模糊中前进，最终消失不见。

一片蓝色中，少年的白衬衫被海风吹起，陌生的背影让人想起另外两个奔跑的孩子，好像又回到刺目的青草地。

追赶，解围，靠近的侧脸，那里有关于爱最接近现实的存在。

十年之前，黑人男孩儿固执的向与家相反的方向走去，可是现实告诉他，逃避并不是摆脱。

于是10年过去，当再次触碰到家的外缘，曾经的little驾车驶过清晨的愿景与黄昏的暧昧，终于发现，一条相反的路代表的，从不是另一个目的地，而是人生给予他阴差阳错的兜转与等待，让我们在推开新的一扇门之前，能够拥有足够的勇敢，去赋予爱以自己宽容的新定义。

chef’s special, 一饮而尽的红酒，逼仄空间里的对视，开启的是真正的成长，爱人的温柔不再是一片斑斓梦境中飘渺的烟圈，而是那一片从来没有被遗忘的海滩，是海浪拍打岸沙，是可以袒露心声放下伪装的哽咽，是终于可以轻靠的肩膀。

影片的最后，站在海边的little扭过头，看向荧幕前每一张被蓝色映照得莹莹的脸庞。

时间从这里开始非线性的旅程，过去与未来，以最熟悉的姿态初开新的篇章。

梦中人拥你入怀，车牌上的nickname不再只是一个贞操般的悼念，而是生活的又一个起点。

in moonlight black boys look blue，他的眼神坚定，却又缱绻着时间托付给成长的意义，在那一瞬间，人生终于找到了原谅与和解的出口。

而这一个瞬间也让太多人明白，为什么即使瑕疵存在，媒体仍愿意用真挚和热烈的赞美表达对这部电影的喜爱。

偷师东方美学的诗意，导演在光影中给了所有人一个看似破碎时则完美的童话，它告诉每一个曾经或者正在试图摆脱惨痛回忆的观众，aching memory是能蜕变为温柔的，这与政治正确无关，与黑人议题无关。

那些挂着眼泪走出影院的男男女女，也又一次验证了：原来回归与被拯救的方式，全球，全人类，都通行。

正文首发于橙新闻，更多影评见公众号“cocoonics”。

本届奥斯卡最大话题应当是最佳影片最后的大乌龙。

两大热门《爱乐之城》（La La Land）与《月光男孩》（Moonlight）的最佳影片之争竟是以这样戏剧化的方式落下帷幕。

作为常被诟病“白化病”严重的奥斯卡，本届的结果虽然最佳男女配都给了黑皮肤，却不能单单用政治正确来武断地一概而论。

就连本届最佳外语片《推销员》（Salesman）的导演阿斯哈·法哈蒂（Asghar Farhadi）因反特朗普禁令拒绝出席奥斯卡，也变相成为了奥斯卡“政治正确”的一个例证。

“当代人民”喜欢扣帽子。

一个“政治正确”的标签可以放在一切涉及女权、种族、性向、环境等影片上。

涉及到类似题材的影片一旦引起关注，就是因为“政治正确”，这个词的力量大得让人们忽略了影片本身。

这个词与“你国”、“当代人民”等一样，完全沦落成故作渊博的语言，彷彿只要说出这四个字，就可以不加思考地批评，对一切赞好表达“你懂什么”的蔑视。

而可恨的是，“政治正确”并非是如“这届人民不行”般调侃式的反讽，而是反智的帽子，一扣下去，其他论点立刻让道，问题不剩任何辩论价值。

因为反驳“政治正确”的人，必定难免被“内行人”嘲讽“你懂什么”。

不可否认政治因素的确是奥斯卡评审团的考量，但如本月25日逝世的Bill Paxton曾说过的那样：“不抱任何期待去看一部电影是一件好事，如此以來你便可以不带包袱地感受失望以及惊喜。

”（“It's always good to have no expectations when you see a film. Then you can be pleasantly disappointed or surprised.”）《月光男孩》的到来是汹涌的，如同蓝色月光下的浪潮，拍打在新世纪的海滩上。

这届奥斯卡比以往都更专注新生力量，像Martin Scorsese的《沉默》（Silence），Clink Eastwood的《萨利机长》（Sully）, 都没能进入最佳影片提名。

但像前年以《爆裂鼓手》（Whiplash）斩获最佳剪辑等五项奥斯卡大奖而进入大众视野的Damien Chazelle（如今已获本届奥斯卡最佳导演）所执导的《爱乐之城》，和由经验尚浅的Barry Jenkins所执导的本片则呼声势如破竹。

记得第86届的奥斯卡颁奖礼上，《为奴十二年》（12 Years a Slave）被指因政治正确而获最佳影片引起争议，而这次本片和《隐藏人物》（Hidden Figures）在奥斯卡提名中出现，也难免有些声音。

撇开政治不谈，我们也不能忽略其精湛的镜头语言和段落结构。

顺带一提，《隐藏人物》这般冲着奥斯卡提名去的学院派电影，也难逃女权主义的黄袍加身。

Barry Jenkins的首部长篇Medicine for Melancholy比起导演2008年的处女作《Medicine for Melancholy》里，像《爱在日落黄昏时》（Before Sunset）般以大段对话温和地触碰种族问题，本片少了稍显生硬的背台词表立场，而是学会了用除台词之外的方式让我们听到他的声音。

“同性”、“种族”的标签成为了《月》的初始烙印，但看毕，我们会发现这只是一个少年细致入微的成长故事。

腼腆，寡言，从痛恨毒品的孩童长成到最后成为与少时毒贩干亲一样的柔情硬汉，却一直没有停止寻找自己。

三段式留白叙事三段式的叙事结构，在导演访谈中谈到竟是受侯孝贤的《最好的时光》启发，不过除架构外，两者相像之处仅剩都融入了细腻而浪漫的个人经历，且故事均发生在导演长大的地方。

信手拈来的回忆，伴着时光的沉淀融合在三段亦真亦假的故事中，走到人生的一半再回望过去，才能将情绪铺得更为克制绵长，像同期的《海边的曼切斯特》（Manchester by the Sea）一样笼罩着一层阴郁。

叙事虽是非线性的，我们仍能在Chiron的独角戏中跟随角色成长的连贯性。

《月》无疑是私人化的，情感中包含冲突并内化。

我们跟随着这个寡言的男孩一同闪回走过9岁，16岁和23岁。

我们看到他的纠结，挣扎和成长。

不过在选择性表现片段时，第三段的性格转变交代不够清晰，尤其是当第二段行云流水地表现出Chiron的爆发后，一种等待的情绪弥漫。

虽然导演已聪明地把成为硬汉的第三段加在了第二次黑幕以前，这样的转变还是稍显突然。

迷失在蓝色月光下故事在1980的Miami开始，9岁的Chiron一直被欺负，被孤立。

吸毒的母亲不是不爱他，只是爱的方式不对，时而自私地忽略儿子的感受，在半梦半醒间又满怀爱意地表达占有，这在他的性格中种下了矛盾的种子。

他瘦小的身躯与青春期大环境格格不入，他忍耐欺凌，抗拒毒品，然而在第二段的最后，狂怒在忍耐了16年的身体中爆发。

7年后我们再看到的“Black”已然是一个陌生人。

他贩毒，成了以前他会扭头离开的人。

他轻易地开一个新手的玩笑，就像童年那些人对待他那样。

他戴金牙牙套，却在童年的玩伴Kevin问他为什么时，沈默地再戴上。

在身分认同上，他迷失了。

什么是本我？

他做一切街头贩毒者应该做的事，金色的链子和车牌上的“Black”，而真正的Chiron，又去了哪里？

他以为只有变成社会想他变成的样子，才能够继续生活下去。

然而他本非如此，善良而温柔的他，甚至在故意开新手玩笑后，还要再加句“我只是开玩笑”来弥补。

在最后Kevin描述自己的生活时，Chiron回应这一定很糟，而Kevin回答不，他知道自己在做什么，这很快乐。

Chiron张张嘴，和以往那样没有说话。

最后一个镜头回到月光下的他，转过头，他看起来有点蓝。

王家卫的鸽子之歌要说导演是“黑人王家卫”也不是没有原因的。

在第三段Black探望完母亲，开车去见Kevin的公路镜头，《鸽子之歌》（Cucurrucucú Paloma）悠然响起。

这首配乐由墨西哥人Tomas Mendez於1956年所作，王家卫在《春光乍泄》也将同一首歌用在公路镜头上。

另一部运用了这首配乐的电影是西班牙导演阿莫多瓦的《对她说》（hable con ella）。

虽是致敬王家卫，但这首歌的使用始终有些突兀。

而个人认为，重叠公路镜头的海面孩童玩耍接的向上攀出的月亮，则是为点题而作的别扭之处。

引用友人的一个观点： 名为Moonlight却不曾出现月亮，才算妙呀。

最像王家卫的第三段 始终，这是个至少形式上充满诗意的作品，Chiron在海中学游泳的镜头，让人霎时想起《南国野兽》（Beast In the Southern Wild），大胆而粗砺的晃荡镜头，部分失焦，两部片的作者同样是新晋导演，让人充满期待。

故事平淡却胜在细腻，虽在镜头语言上稍有炫技之嫌，但也可看作导演的个人风格。

值得指出的是於人物塑造上的成功，当伴随着Chiron成长的观众看到他与母亲的最后和解，与儿时同伴的表白，和最后寻找自我在蓝色月光下的回眸，都不住深深共鸣。

深蓝色的回忆汹涌，海边的那句“不要让别人为你做决定”，海边的那次动情，再回到海边的小屋。

关於成长，不必悲伤，不必焦虑，没有人会忽然长大。

作为奥斯卡最佳影片，它的确有可以再成长的地方，叙事的连贯性，配乐的把握，但也绝对是实至名归的一个最佳影片，政治加持的部分难免，但要因为政治正确就完全将它否定，未免也太过武断了。

更多影评请关注公众号 虚穴取茧：

（1/18/2017：《月光男孩》是我2016年十佳里的第二位，仅落后于《爱乐之城》。

我后来又写了另外一篇更长的回顾影评，讨论这部电影以及它对黑人电影的意义，希望大家喜欢：https://movie.douban.com/review/8299843/）-这是最简单的故事，却又是最深邃的故事；这是由最私人的经历所编写出来的生活，却又诉说着人类最普遍的生活；这是最特立独行的电影，却又是本年度最依靠光与影打动着观众的电影。

这是《月光男孩》，很可能是2016年最好的电影，甚至很可能没有之一。

《月光男孩》《月光少年》是黑人编剧型导演巴里•詹金斯时隔八年为大家带来的第二部长篇电影作品。

跟他上一部作品《忧郁的解药》跟踪一对突然互有感觉的陌生人仅仅一天不一样，《月光少年》跟踪的是主角从男孩到男人的转变。

而这部电影细腻的剧本，则改编自黑人剧作家，同时是麦卡锡天才奖得主的泰雷尔•麦卡雷尼的舞台剧作品。

我试图寻找与这部电影一样华美的语句去总结它的剧情，但却无功而返。

《月光男孩》讲述的可以说是一个再简单不过的故事，而它诉说这个故事的方法则是那么的工整。

我们分别跟踪主角塞隆在小孩，青年，男人阶段的三段经历，籍此试图去了解他的一生。

虽然打着“这是一生的故事”这个旗号，电影却在三个阶段之间有着大量的留白。

我们甚至只能看到塞隆生命中简短的几天，以及那些为数不多影响着他生命的人。

而电影中他的三个生命阶段，则由黑幕硬生生地隔开。

每当我们沉浸在故事中为他的生命而感到苦楚时，黑幕总是伴着玄妙的蓝点或者红点到来。

仿佛在预告将要进入下一个阶段的同时，不断提醒着我们眼前的仅仅是一部电影而已，无论它是多么的真实。

i. Little; ii. Chiron; iii. Bl出生在贫困单亲家庭的塞隆从小被称为“小不点”，从小憎恨着依赖毒品的母亲，从小被周围的同学欺凌着叫他“基佬”（faggot，实在不知道要如何翻译才能达到这个词对同性恋者的极度侮辱）。

沉默寡言的他遇到了有着与毒枭身份不相符充满着怜悯之心的胡安，给予他缺乏的父爱。

胡安让“小不点”借住在他家，教“小不点”游泳。

他还跟“小不点”讲述他自己往昔的故事——那个来自古巴，因为在月光的照耀之下肤色变成蓝色而被称为“布鲁”的男孩，成为了今天这个刚硬的男人。

“总有一天你要决定自己到底是什么样的人，”胡安这样跟“小不点”说道，“别让其他人给你做这个决定了。

”我们后来发现这句话或许给了“小不点”一生最为重要的启发。

转眼间“小不点”已经拔高成为了瘦骨嶙峋的高中生塞隆，而小时候保护着他的胡安也在观众毫无准备之下在屏幕以外离开了人世。

本已举步维艰的塞隆，更需要面对毒瘾日渐增长的母亲，甚至要为她付钱买单。

同时，渐渐懂事的他似乎已经慢慢明白接受了自己同性恋的倾向，更是与戏称他为“布莱克”的朋友凯文有着那稍瞬即逝的美丽火花。

但他依然是同学们的欺凌的对象，让人更为痛心的则是凯文被迫成为伤害他的一员。

愤怒不已的他终于忍不住以暴力反抗，可惜以暴制暴终究逃不过法律的制裁。

十几年后，当长大的塞隆变为“布莱克”进入我们的视线时，他身体上的改变大概是我们最为震惊的地方吧。

披上了满身肌肉作为盔甲的他，如今似乎踏着胡安的旧路，成为了亚特兰大街头的毒枭。

然而这个看似强硬无比的男人，在与母亲冰释前嫌的时候依然留下了温柔的眼泪；然而这个看似日常言语中充满着威势的男人，在见到“旧爱”凯文的时候依然无法组织自己的语言。

故事的结尾，“布莱克”终于敢于面对自己是怎么样的一个人。

他不再嗔怒于别人的眼光，只想做一个真正的自己。

马赫莎拉哈什巴兹•阿里给出了电影中其中一段精彩的演出上面的只言片语，或许概括了《月光男孩》的剧情，却完全无法表达出它深沉的含义以及对观众们内心的冲击。

当结尾的题卡出现在我们眼前的时候，还未回过神来的我们感受到的只能是那道不明的沉重与痛苦而已。

这一方面得益于配角们精彩的演出，尤其是饰演胡安的马赫莎拉哈什巴兹•阿里精彩细致的表演。

这位从《纸牌屋》走入大众视线的实力派黑人演员是那么的让人有着安心的感觉，以至于即便他有着毒枭的身份，观众们却依然能接受到他对“小不点”细腻的爱。

尤其是教“小不点”游泳那短暂的一幕，配合着异乎寻常地神圣的弦乐，仿佛是他给“小不点”的洗礼一般，真挚而让人感到充满父爱。

而仅在剧组三天的娜奥米•哈里斯则为嗜毒母亲宝拉带来了截然不同的深度。

虽然是一个容易让人生恨的角色，哈里斯对宝拉为数不多的对白和动作的拿捏却能传达出她生活中的艰难。

实际上，剧本给予宝拉这个角色的戏份实在是少之又少，但我们似乎却能想象出电影篇幅外她的挣扎。

而当最后她试图向儿子道歉悔过时，我们似乎终于能够相信，无论她的行为是多么的恶劣，她从来都是深爱着儿子的。

反过来说，类似给予宝拉这个角色这样大量的留白，大概是《月光男孩》最为迷人的地方吧。

我们只能去幻想每一幕之间所发生的事情，去感受每位角色所经历的痛苦。

例如安德烈•霍兰所饰演的年长版凯文，虽然精彩的演出给角色增添上了生活现实，我们却还是不禁猜测着此前的十年他到底都经历了什么才从一个话痨少年变为一个那么沉默的男人。

又或许我们并没有猜测，但却依然能感到他的痛苦。

但无论这两位配角做得有多么的出色，都不可能掩盖饰演塞隆三个不同阶段的三位演员对这个角色那让人难以置信的演出。

坚忍而寡言，或许是演技中最简单而又最难表达的东西了吧。

它是那么的简单，因为剧本上写着演员要做的似乎只是如木讷一般地出现在镜头前罢了。

但它又是那么的困难，因为演员需要用最细微的表情动作和瞬间表达出角色内心的挣扎，同时传递给观众深沉的情感。

而这三位演员做到了，尤其是饰演“小不点”的非专业演员阿莱克斯•希伯特和饰演“布莱克”的特雷温特•罗德斯，我们似乎都能从他们的眼神中感受到他们想对其他角色说的话，以及想对观众说的话。

他们的表演是那么的完美，以至于几乎没有对白的塞隆，在剧终时依然能打动着我们，让我们感到他所感到的痛。

“你是谁，塞隆？

”即使因为《月光男孩》是剧作家麦卡雷尼的半自传而使得它的故事有点过分的私人化，我们却能感受到电影故事以外超越种族与身份的人性主题。

这也是我认为它凌驾于今年其他电影之上的真正原因。

你可以把它概括为一个同性恋黑人男孩的成长故事，你也可以把它概括为一个关于毒品和欺凌对人影响的寓言。

但这些都不是对这部电影最好的描述，甚至对没看过的观众来说是那么的具有误导性。

“你是谁，塞隆？

”凯文面对十多年不见的朋友这么问道。

而我们就像塞隆一样，沉默不语地思考着这个永恒的问题。

对自我的不断怀疑以及不断改变的认知理解，对人性的爱，这些大概才是《月光男孩》真正要表达的东西吧。

巴里•詹金斯与演员们当然，最值得称赞的，还是兼做导演和编剧的詹金斯吧。

毕竟无论从剧本，到配乐，再到摄影，这部电影可以说都是那么的无懈可击。

詹金斯在采访时说对他创作《月光男孩》影响最深的其中一部电影是王家卫的《春光乍泄》，而我们也可以在电影中餐厅的戏份中感受到这一点。

甚至说《月光男孩》整个电影的本身，像王家卫的电影一样带着诗意似乎也不为过。

打动着我们的似乎不是普通电影那种线状的剧情，而是人物内心的挣扎，以及从他们挣扎中映射出来的我们。

也正因为这样，当这些人物感受到痛苦的时候，我们也跟着为他们而痛苦，宛如我们跟这些毫不相关的人物有着某种联系一样。

这部看似最为简单的电影，也正是因为这样，在我看来达到了绝大多数电影都无法企及的高度——让我们感受生命的痛苦与美好，让我们渴望与身边人联系交流，让我们思考自我的存在。

这很可能是2016年最好的电影，甚至很可能没有之一。